monstruosinvisibles

Problemática vida

2010-05-23T00:01:00.002+02:00

Se cumple otro mes de vida de este espacio; aunque este último mayo ha sido menos prolífico de lo habitual. No pueden faltar como siempre los números musicales que coronan esta celebración por todo lo alto.
Esta vez se trata del "The Tango Maureen" del musical Rent (2005) de Chris Columbus, adaptación de una obra homónima de Broadway donde el director reunió a un buen puñado de los actores que ya habían interpretado sus papeles en los escenarios. La película narra las vicistudes de un grupo de jóvenes enfrentados contra unos problemas realmente serios como la droga, el SIDA y cómo los combaten con sus artes interpretativas, amén de otros asuntos. Esta ópera rock ganó el premio Pulitzer ni más ni menos. Su manera de inmiscuirse en temas tan peliagudos hizo que más de uno sintiera una empatía profunda hacia estos jóvenes que zozobran a través de un mar tempestuoso.

Saludos y más saludos

2010-04-23T00:01:00.001+02:00

Los saludos se repiten cada día 23 en este espacio y todavía más poniendo como ejemplo este fragmento del film Hello, Dolly! (1969) de Gene Kelly, que asimismo da título a la canción que os presento y que interpretan Louis Armstrong y Barbara Streisand. El largometraje se basa en el musical de Broadway que formuló Ernest Lehman, quien ideó la historia de una celestina que es contratada por un soltero para casar a sus empleados, en líneas generales. Como curiosidad hay que recalcar que el papel de protagonista ni mucho menos estuvo pensado para Streisand, quien sería la sexta pretendiente para encarnar a Dolly, detrás de: Judy Garland (descartada por sus múltiples problemas psicológicos y físicos), Ethel Merman, Mary Martin, Bette Davies y Julie Andrews. Parece ser que el único problema era la edad, como habéis podido observar: Dolly debía tener más de 40 años; Streisand rondaba la veintena. A pesar de todo, hay saludos para todos.

Planteamientos curiosos: Marihuana mon amour (recopilación)

2010-04-19T19:00:00.000+02:00

[Esta entrada es una recopilación de todos los posts dedicados a la marihuana en el séptimo arte]

Esta nueva entrega de los planteamientos curiosos tendrá como hilo conductor el uso de la marihuana en el séptimo arte para diferentes fines como el panfletarismo, el documental, la apología o la construcción de ficciones. En esta primera parte me dedicaré a escrutar las cintas entre los años 30 y 40.
La marihuana siempre ha sido una droga muy controvertida y discutida en todos los estamentos de la sociedad, debido a que nunca ha satisfecho por igual a todos los ámbitos de la población, como sí lo ha hecho el tabaco o el alcohol. Sus virtudes y sus defectos aún hoy siguen siendo motivo de disputa, pero ¿cómo se trataba esta droga en las décadas de los 30, 40, 50 ... hasta la actualidad?
El ministro de propaganda de la Alemania nazi, Joseph Goebbels, dijo una vez que "si una mentira se repite las suficientes veces, acaba convirtiéndose en la verdad" (esta referencia se puede ver por la red con algún cambio, o incluso atribuida a Napoleón). Esta frase bien podría ser el eje conductor de los ejemplos que voy a tratar en esta parte: no importa lo que digas, si conoces el modo de convencer al que te escucha, manipulándolo a tu antojo. Sabiendo quién sostuvo esta afirmación podemos aventurar qué estratos de la sociedad y de la política norteamericana crearon y promovieron estas cintas panfletarias: la ultraderecha.
Este post se dedicará exclusivamente a tratar algunas cintas que fueron promovidas por diferentes estamentos que tanto demonizaron el tema.

Marihuana (1935) de Dwain Esper trata el tema sin ningún conocimiento sobre los efectos reales de la marihuana. Este film, con tintes de documental panfletario, muestra la exagerada historia de Burma, una chica de buena familia que de tanto salir con sus amigos y fumar hierba se vuelve una mujer completamente desquiciada. Acaba embarazada y soltera, dando su hijo en adopción para convertirse ella en una traficante.
Si este guión no os parece estrambótico, mirad el film, que aquí he puesto lo más delicado. Panfleto barato de la ultraderecha norteamericana, y ¿qué esperabais?

Reefer Madness (1936) de Louis J. Gasnier -film tratado en este blog- es el prototipo de documental que de tan desorbitado en sus propuestas y en su tono, se ha tornado en su contra todo lo que pregonaba, pues se ha vuelto una cinta de culto para todo el amante tanto de la marihuana como de la comedia. Presuntamente fue hecho para alejar a los jóvenes de esta droga, aduciendo razones como que es más endiabladamente adictiva y peligrosa que la cocaína y la heroína juntas, y que vuelve a un demente, un loco y un asesino a todo aquel quien la prueba.
Gasnier domina el terreno del humor sin saberlo.

Mariguana: el monstruo verde (1936) de José Bohr es un claro ejemplo de la idiosincrasia del creador metomentodo, pues en esta cinta es director, actor, productor, guionista y compositor. Nada menos.
Cinta mexicana que narra la desgracia de un policia, el mismo Bohr, que se vuelve adicto a la marihuana y que sólo le comportará frecuentar malas compañías. El protagonista terminará formando parte de una de las mafias que intentarán abonar la sociedad con la monstruosa hierba verde. Haciéndose pasar por el "gringo Daniel", dará la vuelta a todas las expectativas vitales que tenía por delante.
Por cierto, la imagen es del propio director.

Assassin of Youth (1937) de Elmer Clifton es otro testimonio muy parecido (demasiado) a la totémica Reefer madness. Propagandístico y panfletario, este largo propone una historia que se centra en el periodista Art Brighton y su diatriba contra la marihuana, que ha subyugado a una joven, Joan Barrie, heredera de la fortuna de su abuela y acosada por su prima Linda y su marido para gastar todo su dinero en la mafia de la droga más diabólica, asesina de la juventud, como reza el título del largo.
Para Clifton, los estragos que causa el diablo verde son mucho peores que juntar todas las patologías mentales existentes aderezadas con todas las drogas del mundo.
Imaginación no le faltaba.

Devil's harvest (1942) de Ray Test es la enésima incursión en la investigación de los desastrosos efectos de la marihuana como inicio para una vida encaminada hacia la total perdición. Aquí se radiografían escenas memorables: jóvenes sucumbidos a días eternos de fiestas, asesinatos provocados por la hierba, etc.
Creo que a estas alturas la ficción se mezcla tan sutilmente con la propuesta documental que para un espectador de la época era imposible discernir un género del otro.
El cartel de la película lo dice todo: el demonio es de color verde y nos abraza con sus fauces para guiarnos a una condenación de pecado, degradación, locura y libertinaje. Qué bien suenan estas palabras...

She shoulda said no! (Ella debió decir ¡no!, 1949) de Sherman Scott es otra ficción creada con el mismo propósito que las anteriores. Anne Lester, una desdichada huérfana que vive para pagar los estudios de su hermano, conoce un vendedor de marihuana, Markey, quien la invita a una fiesta donde se consume esta droga. A partir de este momento Anne inicia su personal caída a los infiernos, pues descubrirá que toda la represión sexual se torna en promiscuidad. Si hasta aquí todo son virtudes; luego vienen los inconvenientes: pierde el trabajo, se vuelve vendedora de marihuana, sufre enfermedades mentales y la encarcelan.
Parece ser que el celebérrimo actor Robert Mitchum promovió esta cinta, donde, según él, se trasluce su lucha contra el demonio verde y su arresto por posesión un año antes.

Son tan exagerados los testimonios que os he mostrado que en la actualidad se han convertido en una suerte de cintas cómicas, donde el mensaje fundamental que se quería transmitir se transforma en todo lo contrario y mucha gente disfruta viéndolas mientras se fuman un porro. Las vueltas que da la vida, pues se podría decir que la frase de Goebbels queda totalmente refutada.

Después de la primera parte, que versaba sobre el uso de la marihuana en el cine durante los años 30 y 40, ahora le toca el turno a los años 50, pues es tal vez una de las épocas que más testimonios ha conreado sobre la desmesura a la hora de abordar el tema del cannabis en la juventud.

Marihuana -título original ya a estas alturas- (1950) de Leon Klimovsky es una cinta argentina que nos sumerge en un mundo plagado de demencia y surrealismo. Sino, advertid cómo se anunciaba en su época: "¿Qué es marihuana? Una legión de locos y alucinados, y una tragedia para el hombre que penetra en ella". Desde luego hay que reconocer el mérito que tiene el eslogan, porque tiene mucha fuerza. Quien escribió esto denota un uso magistral de la retórica clásica. La historia gira en torno al Dr. Urioste y su personal lucha contra la enfermedad que aqueja a su mujer: es adicta a la marihuana.

The terrible truth (1951) es una cinta de propaganda pura en contra de la hierba y que aporta un elemento más que no habíamos advertido hasta el momento: fumar porros es el primer paso para adentrarse en la heroína y esta pandemia de jóvenes que arruinan sus vidas con las drogas no está provocada por la educación o las malas políticas sociales, sino que... atención... está promovida por el Comunismo Ruso. Con esta hilarante premisa las risas están más que aseguradas para el espectador actual. Lástima que en la época y en USA no se viera de este modo, pues su diosa de la justicia estaba más ciega que nunca. Se buscaban enemigos ajenos para los problemas propios.

High School Confidential! (1958) de Jack Arnold tal vez sea el film más interesante de todos los que se han tratado hasta ahora y que más ríos de tinta podría provocar si no fuera porque en nuestro país -como es normal por la época en que transcurre- pasó y está pasando totalmente desapercibida. Tal es la ignorancia del director sobre los efectos del cannabis que admitió exagerar hasta la inverosimilitud muchos aspectos del guión, no sin antes soltar una frase para mí mítica: "desconocía absolutamente el tema de la droga y estaba por eso obligado a suponer la exactitud del guión. Hoy ya sé que no se ajustaba a la realidad". La historia se centra en un investigador que, queriendo descubrir el mundo de las drogas en los institutos, se hace pasar por un estudiante. Muy recomendable por absurda. Por cierto, en el film aparece ni más ni menos que Jerry Lee Lewis quien curiosamente un año antes se había casado con una niña de 13 años. Contrajo matrimonio cuando todavía estaba casado con su primera mujer. ¿Será él la persona indicada para alertarnos de la marihuana? Típica paradoja norteamericana.

The cool and the crazy (1958) de William Witney pivota sobre los problemas juveniles a la hora de ser popular y el fácil acceso a las drogas, donde según se asegura en la cinta fumando un porro uno llega a ser poco más que un drogadicto terminal.
Peleas callejeras, chicas guapas y rock and roll hacen de esta cinta un testimonio de culto para todo el amante de los films educacionales irrisorios. Brillante manera de educar a una sociedad, que ya estaba zozobrando desde la ley seca en los años 20 y 30.

Después de ver estos supremos ejemplos no podemos hacer más que buscarlos para conocer el punto de vista del espectador medio de la época.

A finales de los años 60 la revolución social provocó que los intentos de las cintas panfletarias de décadas anteriores no surgieran el efecto deseado y la juventud se tomara como algo completamente normal fumarse un porro, aun así continuarán apareciendo cortos y largos vetando la hierba y advirtiendo a la juventud de su problema al acercarse a esta droga. Además, hay que añadir la incursión en la sociedad de la delirante sustancia del Dr. Hofmann, es decir el LSD o dietilamida de ácido lisérgico, que se encumbraría como la droga peligrosa y a temer. Pero, claro, la marihuana continuaría siendo la protagonista en todas las fiestas, haciendo reír a quien no quiere. Es a partir de este momento que el cannabis se vuelve un poco menos dañino al tener grandes competidores como los ácidos, pero la hierba se convertiría en el símbolo máximo de una oleada de libertarios: los hippies. No os engañéis: los hippies de los 60 son los grandes empresarios y políticos derechistas que persiguen actualmente lo que en su día pregonaron.

Especial atención merece Marijuana (1968) de Max Miller, donde Sonny Bono -es decir la expareja sentimental y artística de Cher- ofrece un documento vilipendiado por el público debido a su falsedad en la manera y en la forma en que el cantante muestra su alegato contra la marihuana. Al principio del metraje se advierte que el consumidor es el principal responsable del problema y es él quien debe decidir si el cannabis es bueno o malo, recreando una comparativa con otras drogas, como el alcohol. Todo se derrumba cuando se ofrecen las verdaderas intenciones y es el propio Bono quien, con ojos, tez y voz de haber fumado más de un porro nos advierte de la peligrosidad de la hierba. Aquí tenéis el testimonio:

Humo de Marihuana (1968) de Lucas Demare es una cinta argentina que no es otro producto que un remake de Marihuana (1950) de León Klimovsky, aparecida en la 2ª parte de esta serie de posts.
Parece ser que no habían suficientes guiones como para que la industria cinematográfica decidiera modernizar la lucha del Dr. Urioste contra la adicción de su mujer. Lo más curioso es que para algunos círculos de la crítica este film está considerado como una de las mejores películas argentinas de la historia.

I love you, Alice B. Toklas! (1968) de Hy Averback contiene una premisa que para el espectador actual es una comedia y de las gordas: un hombre que consume pasteles ve cómo su apetito aumenta considerablemente, asimismo empieza a deshinibirse de manera radical con las chicas. La razón: alguien está condimentando sus comidas con un ingrediente fabuloso.
Todas estas situaciones provocarán unas situaciones hilarantes dando pie a una comedia que pone como ejemplo -por primera vez- la marihuana como detalle anecdótico para arrancar historias cómicas. Algo hartamente usado en la actualidad en series y largometrajes.
Peter Sellers se encargará de llevar a cabo los gags más desternillantes. Ya aparece aquí el personaje del hippy como consumidor habitual de hierba.
Mirad el trailer, que no está nada mal:

Parece que la marihuana está cambiando su rol como droga intocable y a la que sólo se le pueden achacar problemas: puede haber horas de diversión.

MaryJane (1968) de Maury Dexter es una cinta exploitation sobre los efectos nocivos del monstruo verde. Un profesor de arte intenta convencer a sus alumnos que la marihuana no es una droga o una sustancia tan mala como la pintan, pues nos hace descubrir nuevas sensaciones. Una compañera de trabajo descubre a algunos de sus pupilos fumando cannabis y les revela el terrible destino que les puede producir la hierba en sus vidas. Para ello hará todo lo posible para que dejen la diversión para otro momento. Una historia ya muy gastada en la cantidad de películas que hemos visto a estas alturas.
Por el cartel podríamos aventurar que se establece un debate entre las dos opiniones; no es así, pues prevalece la prohibitiva.

Free Grass (1969) de Bill Brame contiene ya un título bastante claro del tema sobre el que va a girar la trama: Dean se zambulle en el mundo de los traficantes de droga con un camello sádico llamado Link. A partir de aquí todo serán problemas, pues para conseguir dinero fácil Dean deberá trasladar marihuana de México hasta Los Angeles, pero la muerte de dos agentes federeales complicará todavía más sus propósitos, desembocando todo en una historia de acción. El LSD hará su aparición, aunque lo más interesante es que el protagonista tendrá que ofrecer hierba gratis a los hippies para deshacerse de las pruebas que lo incriminarían como traficante.

De Easy Rider (1969) de Dennis Hopper se podría decir que es el primer testimonio que inicia la oleada de apologías a la marihuana. Aunque la hierba no se utiliza como motor principal del film es importante el papel que adquiere y que la convertirá en símbolo de la contracultura. Dos jóvenes, Billy y Wyatt, deciden dar rienda suelta a sus ansias de libertad recorriendo gran parte del continente norteamericano hasta llegar a New Orleans para celebrar el Mardi Gras. Para efectuar este objetivo deberán vender droga para hacerse con unas motos chopper y encontrarse con todos los estratos de la sociedad del momento: hippies, conservadores, etc. Cuanto más avancen hacia el interior de USA, peor serán considerados por la población.

Los años 70 han pasado por las revoluciones sociales y musicales de finales de los 60 y es por eso que, aunque encontremos algún que otro testimonio prohibitivo, la mayoría de cintas se ocuparán de hacer apología o comedia del tema. Se empezará a asociar diversión y libertad con el hecho de fumar hierba y, asimismo, en una moda que caracterizará una generación de jóvenes ávidos de nuevas sensaciones.

Keep off the grass (1970) es un panfleto prototípico de situación donde una madre descubre a su hijo completamente fumado: ojos rojos, tensión arterial baja, risas exageradas, etc. Su niño ya no es el mismo de antes.
En 20 minutos el director se ventila el problema como si estuviera grabando un sketch. La familia preocupada decide entablar una conversación seria con el drogadicto para que enderece su camino y pueda volver a ser una persona normal.
Como es de esperar, el chico entra en razón, reconoce sus fallos y limpia la hierba de sus negros pulmones. Otro testimonio sobre higiene moral.

Pot! Parents! Police! (1971) de Phillip Pine es un caso parecido al del mexicano José Bohr en Mariguana: el monstruo verde (1936), pues el mismo director escribe el guión y se dirige a sí mismo para protagonizar la cinta. Se puede considerar este film como el Reefer Madness (1936) de los años 70, adaptando toda su parafernalia anticannábica. Se mantiene, asimismo, la visión deturpada de esta droga como el mal más grande de la historia después de la barbarie nazi. En resumidas cuentas es un muestra de cómo la marihuana desgasta y destroza la vida de todas aquellas personas que la prueban. El título lo dice todo, pues denota el tono de la cinta.

The harder they come (1972) de Perry Henzell es una película que usa la marihuana para establecer una historia de acción con diferentes resortes. Está protagonizada por el cantante jamaicano Jimmy Cliff, quien en esta ficción es encarcelado por una pelea y decide explotar su carrera artística.
Una vez fuera de prisión empezará a meterse en el mundo de la compra y venta de marihuana, produciendo tremendas persecuciones contra la policía.
La cinta pretende mostrar la dura vida que se desarrolla en Jamaica, sitio de moda en esa época por la música reegae. La carátula es muy funky.
Os paso el tráiler de la película para que os hagaís una idea del film:

Keep off my grass (1975) -también titulada como Keep off! Keep off!, y que por el título parece una parodia del panfleto Keep off the grass- de Shelley Berman, o su nombre real Sheldon Leonard Berman, es una comedia sobre la marihuana y los hippies donde aparece uno de los integrantes de la banda Monkees, Mickey Dolenz. El éxito de la cinta debió ser pobre, pues fue la única incursión de Berman en el mundo de la dirección, dando paso a una carrera como actor. Además, esta película es increíblemente difícil de encontrar por la red. Parece que haya desaparecido del mapa. ¿Será por su punto de vista poco habitual sobre el cannabis en la época que por eso se la desterró? Es posible.

Up in Smoke (1978) de Lou Adler es un claro referente en las cintas apologéticas de la marihuana. Una desternillante comedia que trata la hierba como un claro divertimento y una forma de vida, dando lugar a escenas memorables dentro del panorama cinematográfico de películas gamberras, que dará paso a la larga lista de largos de las décadas posteriores. Con una banda sonora excelente, Cheech y Chong, 2 cómicos celebérrimos en USA, representan 2 jóvenes -amantes de la música y de las drogas- que deciden participar en un concurso de música rock, no sin antes haber robado un camión hecho de marihuana procedente de México. Este último dato parece recordar a modo paródico la cinta Free grass (1969) de Bill Brame. Un gran desfile de drogas. No os la podéis perder.
El traíler es delirante e invita a ver el largo cuanto antes:

A partir de esta última cinta prácticamente todas las películas que traten la marihuana contendrán el elemento cómico que era impensable en décadas anteriores. Aparte de alguna despreciable excepción, el uso del cannabis se volverá como una anécdota indispensable para hacer una comedia desternillante.

La década de los 80 está llena de testimonios que utilizan la marihuana como parte anecdótica para recrear comedias gamberras, pero el protagonismo de esta droga como elemento fundamental o motor de arranque de un largo se ve difuminado. Este decenio se ve influenciado por el uso de drogas diferentes, que son motivo de demonización por parte de los estamentos de higene moral y del gobierno: cocaína, heroína, ácidos, pastillas, etc. Así, pues, viendo el aluvión de drogas duras, no tiene mucho sentido ametrallar contra el cannabis. Los 90 sí serán especialmente prolíficos en tratar la hierba como tema principal de un largo o un documental. Pero, claro, ahora desde el punto de vista más apologético y desde la óptica más científica, creando así comedias desvergonzadas y documentales rigurosos sobre las propiedades de la marihuana. Veamos algunos casos interesantes.

Toxic Zombies (1980) de Charles McChrann es un ejemplo de cómo se manejaba el tema del cannabis para fines diferentes a los establecidos en el resto de décadas. De innegable sabor a serie Z, casposa, sanguinolenta y desmesurada, Toxic Zombies inicia su punto de partida a través de unos hippies cultivadores de hierba que empiezan a fumar su cosecha y se convierten en zombies caníbales (¡!). Esto se debe a que el malvado Gobierno ha esparcido por sus campos una sustancia experimental precisamente para erradicar la marihuana. Todo se volverá contra ellos cuando una horda de caníbales de ultratumba se tomen la venganza por su cuenta.

They don't cut the grass anymore (1985) de Nathan Schiff es un testimonio bizarro sobre la marihuana, pero que nos sirve perfectamente para demostrar cuántos resortes adopta la hierba en el séptimo arte para meterse en una época donde la prohibición está ocupada por otras drogas, las duras, más perniciosas para la sociedad.
En este largo, Schiff muestra un cine gore desorbitado y vitriólico. Dos campesinos locos y amantes del monstruo verde deciden iniciar su personal diatriba sanguinaria contra los yuppies. Las consecuencias ya os las podéis imaginar en una cinta de serie B como ésta. Sangre, vísceras, horror y cannabis. ¿Qué más se puede pedir?

Half Baked o Medio flipado (1998) de Tamra Davis es una comedia desorbitada, a ratos absurda y aunque tiene toques muy flipados con el hecho de ir fumado, peca de ser un producto barato y muy poco elaborado.
La historia versa sobre la vida de 4 amigos que se reúnen cada día en su piso para fumar marihuana de una manera completamente desfasada, dando lugar a situaciones cómicas. Un buen día, uno de ellos mata por accidente a un caballo de la policía montada y es encarcelado. Para liberarlo, sus amigos tendrán que vender hierba a destajo, aunque tengan que hacer publicidad por la televisión y hacerle la competencia al gran capo de la marihuana.

Homegrown o Cosecha propia (1998) de Stephen Gyllenhaal es una comedia de 3 perdedores, Jack, Carter y Harlan, que se dedican al conreo de la marihuana, pero especialmente en la plantación de su jefe, Malcolm, de quien poco o nada saben. Un día el amo aparece muerto y al trío no se le ocurre otra cosa que apropiarse de todo el tremendo botín. A partir de aquí empezarán a organizar un negocio bastante torpe en la venta y distribución de la droga, provocando situaciones hilarantes, pues los 3 traficantes son en realidad unos ineptos en todo. Aquí ya se observa que en la comedia norteamericana se está utilizando el cannabis como elemento y emblema de lo políticamente incorrecto.

Marihuana, el sótano maldito (1999) de Robert Sarkies es una entretenida comedia neozelandesa con tintes negros que narra las vicisitudes de un grupo de jóvenes que, al no encontrar un piso económico donde vivir, deciden ocupar una vieja casa.
Dentro de las tétricas y polvorientas habitaciones de la morada encontrarán un enorme vivero de marihuana en perfectas condiciones. A partir de aquí ocurrirá lo evidente (ya visto en el anterior ejemplo): venderán toda la cosecha y aparecerá el verdadero dueño de tan preciado botín, un loco al que encierran dentro del sótano. Los protagonistas no sabrán qué hacer con él.

Especial atención merece también la retahíla de películas mexicanas -completamente desconocidas para el gran público- sobre el personaje de Macario Leyva, o como mejor se le conoce: "El marihuanero". Apodo que denomina la primera cinta del 1999 donde se mezcla acción, hierba, mujeres, pistolas y delirante música y ambiente tex-mex.
Un año después veríamos la vuelta del embajador mexicano de la hierba en la delirante La venganza del marihuanero (2000) de Luis Estrada. Prácticamente con el mismo plantel de actores se retoma el tema de los gángster aztecas de la diosa verde. Macario acabará con cada uno de los enemigos que en su día lo derribaron.
Cintas bastante difíciles de encontrar por estos lares. Estrada muestra dos de sus cintas dentro de su filmografía en el vasto mundo de los narcocorridos y el crimen organizado.

Éste es el documento definitivo sobre la historia de la marihuana en la sociedad norteamericana: Grass (1999) de Ron Mann. Narrado por el actor Woody Harrelson, este documental nos ilustra sobre cómo la hierba ha sido perseguida y criminalizada por diferentes personajes políticos, que no han hecho otra cosa que malinformar a la población para desgastar más la economía estadounidense sin una base científica que acredite tales acciones. Uno de los artífices de la "guerra contra la marihuana" y base de este largo es Harry Jacob Anslinger, jefe del Gabinete de Prohibición de Narcóticos, quien movió cielo y tierra para desterrar al monstruo verde de las praderas americanas, especialmente durante los años 1930-1937, años que produjeron un gran puñado de cintas panfletarias. Pero su lucha contra la hierba se extendió hasta el resto del mundo, demonizando el tema y creando una opinión infundada que ha minado el concepto de esta droga hasta nuestros tiempos. Aslinger consiguió la penalización total en casi el resto del mundo, y en los años 80 su influjo produjo gastar 214 billones de dólares para su erradicación. Ver para creer.

La entrada del nuevo milenio produjo una cantidad de cintas documentales a favor del uso de la marihuana y de las comedias desorbitadas que sería harto difícil listarlas todas. Es esta una década, que aunque todavía sufre la prohibición, gana adeptos en la forma y estilo de vida de la hierba como diversión y alimento para las mentes más abiertas.

El jardín de la alegría (2000) de Nigel Cole es una comedia que establece el conreo de la marihuana como método para salvarse de la injusta pobreza de la sociedad occidental actual. Una mujer, Grace Trevethyn, pierde a su marido y con él la situación de bonanza económica, para sortear la crisis monetaria que la invade decide crear en su invernadero una plantación cannábica (observamos que la serie de TV Weeds calca el planteamiento del largometraje). A partir de aquí sea ayudará de su jardinero para no sólo hacer germinar la hierba verde, sino que también deberán vender el producto, y lo harán dos personas que no están habituadas a hacerlo. De algún modo, el largo introduce un tipo de vendedor de marihuana muy distinto al habitual hasta el momento.

Año Mariano (2000)de Karra Elejalde y Fernando Guillén Cuervo es un vitriólico largometraje español que versa la flipada historia de Mariano, un hombre que se topa en un accidente de coche con la cremación de una plantación de marihuana por parte de la Guardia Civil. Este hecho fortuito provocará que el protagonisa inhale de forma masiva el humo de la hierba y empiece a saborear experiencias marianas con una virgen. Mariano convencerá a todo un pueblo de la existencia de tal aparición y serán los propios habitantes del lugar quienes lo encumbrarán como un santo. Es esta producción una prolongación desfasada del humor que se vislumbraba en el film Airbag (1997) de Juanma Bajo Ulloa, pero ésta utilizaba la cocaína como motor de arranque.

Emperor of hemp (2000) de Jeff Jones es un documental que focaliza la figura de Jack Herer, apodado el "profeta de la hierba". Su defensa de la marihuana en todos sus usos nos hará visualizar el cannabis como una forma de vivir, de entender la vida, de alcanzar nuevos horizontes desde una óptica muy distinta a la habitual. De algún modo se trasciende un poco más allá que los sentidos nos permiten en su estado natural. Se muestra un repaso biográfico de este personaje, que incluye vicisitudes como su encarcelamiento durante la presidencia de Ronald Reagan, y todo por su implicación dentro del panorama marihuanero.

Hashish (2002) de Daniel Grabner es un documental que centra su objetivo sobre la vida tradicional de los habitantes de Ketama, en el norte de Marruecos. El director va a mostrar el tipo de existencia de estos habituales del hashish, que continúan el legado de sus ancestros en el arte de fumar y conrear tan preciada hierba. Todo muy lejos de las prohibiciones que implica este producto en el mundo occidental. Además, observaremos cómo se empieza a fundir los objetos de la tecnología con la dilatada manera de vivir de los tranquilos marroquines. Sociología y marihuana juntos.

La Cruz de marihuana (2003) de Lourdes Álvarez es una cinta mexicana para televisión que narra la situación del emporio de la marihuana como la mafia. Vicente Glaxiola es un mexicano que alcanza el máximo nivel de capo cannábico en una organización colombiana. A partir de aquí se desatarán todas las envidias en el seno de los militantes de este sindicato del crimen organizado. Parece ser que la marihuana ya se ha asentado completamente en el mundo de las cintas de acción. Peleas, armas y demás se harán sitio en este film repleto de gruperos de narcocorridos.

The Cannabis Cup - World Champions of Marijuana (2003) de Steven Hager es un testimonio harto interesante y original que sorprenderá mucho al lector profano en el vasto mundo de la marihuana. En Ammsterdam se celebra la Cannabis Cup, un campeonato mundial que sólo puede ganar el participante que germine la semilla de cannabis más buena y fina del planeta. Equipos enfrentándose para encumbrarse como el mejor generador de plantas de marihuana. Este campeonato fue fundado ya en 1988 y se ha ido haciendo un hueco en el ilustre mundo del sibaritismo cannabico. Aquí hay espacio para todas las expresiones.
La cinta albergará notas de humor ante tal evento, recreando parodias de programas de TV, pero, eso sí, en formato marihuanero.

Hempsters: Plant the Seed (2003) de Michael Henning, es un documental a favor de la legalización de la marihuana que aborda el tema en todas sus vertientes sociales, económicas, legales, etc.
Aparece el actor Woody Harrelson -como lo hizo en Grass (1999)- y el político Ralph Nader como diferentes testimonios que acreditan las calidades de la hierba y todas las problemáticas que en ella subyacen, desde la abolición del veto a esta droga hasta lo contrario. También se crea una retrospectiva de la historia demoníaca que planó en la sociedad norteamericana para evitar la plaga verde en la población.

High Times Potluck (2003) de Allison Thompson, es una comedia cannábica que mezcla diferentes ingredientes para aderezar un producto raro dentro de la filmografía marihuanera.
Un soldado recibe la visita de la diosa de la marihuana, que vendrá acompañada de una vorágine orgiástica de drag-queens, gángsters, artistas, etc. Uno de los objetivos para enseñar esta historia consistirá en la apología hacia la legalización de la hierba.

Dos colgados muy fumados (2004) de Danny Leiner es una cinta que versa la histriónica aventura de 2 amigos que de tanto fumar se mueren por comerse unas hamburguesas especiales para saciar su hambre cannábica. Las aventuras que les esperan serán una locura tras otra.
Retomarán sin fortuna la fórmula en Dos colgados muy fumados: Fuga en Guántanamo (2008) y en Harold and Kumar: Go to Amsterdam (2008) de Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg, que concluyen una trilogía (?¿) sobre estos jóvenes ávidos de hierba.
Se repite la aparición de Kal Penn, un habitual en films de esta índole, tanto de marihuana como de comedias teenagers mediocres (como la saga que protagoniza en Van Wilder).

Escape to Canada (2005) de Albert Nerenberg es un documental ligeramente distinto a los demás por su valor sociológico y por aunar distintas controversias morales. Nerenberg es un reputado director de cine independiente que crea películas con el fin de mostrar la estupidez humana y en esta cinta crea una comparativa entre los avances políticos de Canadá y USA. Mientras el primero -durante el año 2003- legaliza los matrimonios homosexuales y el uso de la marihuana; el segundo emprende una guerra absurda contra los países islámicos por la explotación del petróleo, amén de otras consideraciones como el atraso social de este continente. Una escapada hacia Canadá puede ser el bálsamo perfecto para un tipo inconformista.

Hemplands Conspiracy: The story of America’s most controversial crop (2006) de Patrick McNeese es un documental que ahonda en la historia de la Cannabis Sativa, desde sus inicios como planta utilizada en la época colonial, pasando por la persecución política de los sectores más conservadores hasta la vuelta a los inicios por un público ávido de nuevos conocimientos hacia una de las drogas más discutidas de la sociedad. Como no, Woody Harrelson vuelve a hacer su aparición para reivindicar tan preciado don de la naturaleza. No es raro que en uno de los episodios de la serie Los Simpson se le retrate vestido con unos pantalones hechos de cáñamo.

Playboy, el rey del mando (2006) de Nicholaus Goossen es una comedia desorbitada que no puede dejar indiferente a nadie por sus sketches relacionados con la marihuana, los videojuegos y los freaks. Una mezcla muy suculenta para pasar un muy buen rato viendo a personajes descerebrados a todos los niveles.
Alex es un hombre que sobrepasa sobradamente la treintena y se dedica a testar videojuegos en una compañía del ramo, entre púberes freaks. Un buen día lo desahucian de su piso y decide irse a vivir con su abuela y sus compañeras.
La marihuana hará sus incursiones en situaciones tremendamente graciosas donde veremos camellos, abuelas y motoristas completamente fumados.

Super high me (2007) Michael Blieden, es como su título indica una imitición del documental Super size me de Morgan Spurlock, pero en esta ocasión se utiliza al cómico Doug Benson. Si Spurlock intentaba demostrar los efectos nocivos sobre el cuerpo de la comida basura durante un mes; Benson hará lo mismo, pero con la marihuana (algo similar intentó -aunque relamente no lo hizo en toda su plenitud- en nuestro país Samantha Villar en su programa 21 días, un tiempo después). El film se divide en dos claras partes: la preparación para el reto -sin probar el cannabis durante un mes entero-; los efectos de la marihuana fumando mañana, tarde y noche mientras sigue trabajando como cómico. Sin duda alguna, Benson nos demuestra que la hierba no tiene los efectos nocivos que hablaban las cintas de los años 30, 40, 50, 60 y 70; pero, ojo, tampoco es una sustancia inocua, muchas partes de nuestro organismo pueden llegar a ser dañadas de una forma u otra si abusamos en extremo de la hierba, pero Benson parece demostrar que no es realmente así.
Veamos unos fragmentos del metraje:

Superfumados o Pinneaple Express (2008) de David Gordon Green es una comedia bastante floja sobre un tema ya harto manido en el vasto campo de la marihuana como motor de arranque para situaciones desorbitadas e hilarantes. Realmente es aquí donde vemos que, tal vez, se han dicho demasiadas cosas sobre los efectos irrisorios de esta droga dentro de los esquemas estereotipados de la típica película norteamericana.
El protagonista es un portador de citaciones al que le gusta fumar mientras trabaja y un buen día presencia un asesinato frente a una casa a manos de una policía y un camello conspicuo en la ciudad. Las persecuciones no se harán esperar cuando descubran el tipo de marihuana que fuma el prota: la Pinneaple Express.

High, the true tale of American Marijuana (2008) de John Holowach es el enésimo documental que se crea con el fin de crear una retrospectiva del trato de la marihuana desde todos los círculos sociales y políticos. Cómo se veía en las primerizas décadas del siglo XX y su evolución como producto demonizado y perseguido injustamente. Se escogen referentes ineludibles como los totémicos films Reefer Madness (1936) o She shoulda said no! (1949). También se muestra el despilfarro económico del gobierno de los USA para erradicar los campos de una hierba que no acabó con los problemas que perseguían la moral ultraderechista norteamericana.

Otro proyecto en fase de producción supone The green goddess (2010) de Craig Nisker y Edris Cooper-Anifowoshe, pero que en Internet se pueden hallar vídeos ilustrativos de lo que supondrá este testimonio. Escenas detalladas sobre cómo se germina, se conrea, se elabora la marihuana para ser consumida para un grupo de sibaritas. Cómo se puede apreciar en el vídeo abajo expuesto, la panorámica de las plantaciones es harto interesante, pues se formula una contraposición radical con los primeros testimonios que hemos vislumbrado en las primeras entradas de esta retrospectiva sobre la marihuana y el séptimo arte.
Una lástima la música desacertada de fondo que han introducido; un placer las imágenes:

Aquí termina la panorámica de esta curiosa planta en el cine.

Planteamientos curiosos: Marihuana mon amour (7º parte)

2010-04-14T09:45:00.002+02:00

Retomando la entrada anterior sobre el uso de la marihuana en el cine del siglo XX, vamos a desmenuzar algunos testimonios más que se quedaron en el tintero. Como veréis, el uso de la hierba estará exclusivamente destinado a germinar documentales y comedias a favor de la legalización, muy lejos de lo que se consideró a inicios de siglo.

Hempsters: Plant the Seed (2003) de Michael Henning, es un documental a favor de la legalización de la marihuana que aborda el tema en todas sus vertientes sociales, económicas, legales, etc.
Aparece el actor Woody Harrelson -como lo hizo en Grass (1999)- y el político Ralph Nader como diferentes testimonios que acreditan las calidades de la hierba y todas las problemáticas que en ella subyacen, desde la abolición del veto a esta droga hasta lo contrario. También se crea una retrospectiva de la historia demoníaca que planó en la sociedad norteamericana para evitar la plaga verde en la población.

High Times Potluck (2003) de Allison Thompson, es una comedia cannábica que mezcla diferentes ingredientes para aderezar un producto raro dentro de la filmografía marihuanera.
Un soldado recibe la visita de la diosa de la marihuana, que vendrá acompañada de una vorágine orgiástica de drag-queens, gángsters, artistas, etc. Uno de los objetivos para enseñar esta historia consistirá en la apología hacia la legalización de la hierba.

Dos colgados muy fumados (2004) de Danny Leiner es una cinta que versa la histriónica aventura de 2 amigos que de tanto fumar se mueren por comerse unas hamburguesas especiales para saciar su hambre cannábica. Las aventuras que les esperan serán una locura tras otra.
Retomarán sin fortuna la fórmula en Dos colgados muy fumados: Fuga en Guántanamo (2008) y en Harold and Kumar: Go to Amsterdam (2008) de Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg, que concluyen una trilogía (?¿) sobre estos jóvenes ávidos de hierba.
Se repite la aparición de Kal Penn, un habitual en films de esta índole, tanto de marihuana como de comedias teenagers mediocres (como la saga que protagoniza en Van Wilder).

Escape to Canada (2005) de Albert Nerenberg es un documental ligeramente distinto a los demás por su valor sociológico y por aunar distintas controversias morales. Nerenberg es un reputado director de cine independiente que crea películas con el fin de mostrar la estupidez humana y en esta cinta crea una comparativa entre los avances políticos de Canadá y USA. Mientras el primero -durante el año 2003- legaliza los matrimonios homosexuales y el uso de la marihuana; el segundo emprende una guerra absurda contra los países islámicos por la explotación del petróleo, amén de otras consideraciones como el atraso social de este continente. Una escapada hacia Canadá puede ser el bálsamo perfecto para un tipo inconformista.

Hemplands Conspiracy: The story of America’s most controversial crop (2006) de Patrick McNeese es un documental que ahonda en la historia de la Cannabis Sativa, desde sus inicios como planta utilizada en la época colonial, pasando por la persecución política de los sectores más conservadores hasta la vuelta a los inicios por un público ávido de nuevos conocimientos hacia una de las drogas más discutidas de la sociedad. Como no, Woody Harrelson vuelve a hacer su aparición para reivindicar tan preciado don de la naturaleza. No es raro que en uno de los episodios de la serie Los Simpson se le retrate vestido con unos pantalones hechos de cáñamo.

Playboy, el rey del mando (2006) de Nicholaus Goossen es una comedia desorbitada que no puede dejar indiferente a nadie por sus sketches relacionados con la marihuana, los videojuegos y los freaks. Una mezcla muy suculenta para pasar un muy buen rato viendo a personajes descerebrados a todos los niveles.
Alex es un hombre que sobrepasa sobradamente la treintena y se dedica a testar videojuegos en una compañía del ramo, entre púberes freaks. Un buen día lo desahucian de su piso y decide irse a vivir con su abuela y sus compañeras.
La marihuana hará sus incursiones en situaciones tremendamente graciosas donde veremos camellos, abuelas y motoristas completamente fumados.

Super high me (2007) Michael Blieden, es como su título indica una imitición del documental Super size me de Morgan Spurlock, pero en esta ocasión se utiliza al cómico Doug Benson. Si Spurlock intentaba demostrar los efectos nocivos sobre el cuerpo de la comida basura durante un mes; Benson hará lo mismo, pero con la marihuana (algo similar intentó -aunque relamente no lo hizo en toda su plenitud- en nuestro país Samantha Villar en su programa 21 días, un tiempo después). El film se divide en dos claras partes: la preparación para el reto -sin probar el cannabis durante un mes entero-; los efectos de la marihuana fumando mañana, tarde y noche mientras sigue trabajando como cómico. Sin duda alguna, Benson nos demuestra que la hierba no tiene los efectos nocivos que hablaban las cintas de los años 30, 40, 50, 60 y 70; pero, ojo, tampoco es una sustancia inocua, muchas partes de nuestro organismo pueden llegar a ser dañadas de una forma u otra si abusamos en extremo de la hierba, pero Benson parece demostrar que no es realmente así.
Veamos unos fragmentos del metraje:

Superfumados o Pinneaple Express (2008) de David Gordon Green es una comedia bastante floja sobre un tema ya harto manido en el vasto campo de la marihuana como motor de arranque para situaciones desorbitadas e hilarantes. Realmente es aquí donde vemos que, tal vez, se han dicho demasiadas cosas sobre los efectos irrisorios de esta droga dentro de los esquemas estereotipados de la típica película norteamericana.
El protagonista es un portador de citaciones al que le gusta fumar mientras trabaja y un buen día presencia un asesinato frente a una casa a manos de una policía y un camello conspicuo en la ciudad. Las persecuciones no se harán esperar cuando descubran el tipo de marihuana que fuma el prota: la Pinneaple Express.

High, the true tale of American Marijuana (2008) de John Holowach es el enésimo documental que se crea con el fin de crear una retrospectiva del trato de la marihuana desde todos los círculos sociales y políticos. Cómo se veía en las primerizas décadas del siglo XX y su evolución como producto demonizado y perseguido injustamente. Se escogen referentes ineludibles como los totémicos films Reefer Madness (1936) o She shoulda said no! (1949). También se muestra el despilfarro económico del gobierno de los USA para erradicar los campos de una hierba que no acabó con los problemas que perseguían la moral ultraderechista norteamericana.

Otro proyecto en fase de producción supone The green goddess (2010) de Craig Nisker y Edris Cooper-Anifowoshe, pero que en Internet se pueden hallar vídeos ilustrativos de lo que supondrá este testimonio. Escenas detalladas sobre cómo se germina, se conrea, se elabora la marihuana para ser consumida para un grupo de sibaritas. Cómo se puede apreciar en el vídeo abajo expuesto, la panorámica de las plantaciones es harto interesante, pues se formula una contraposición radical con los primeros testimonios que hemos vislumbrado en las primeras entradas de esta retrospectiva sobre la marihuana y el séptimo arte.
Una lástima la música desacertada de fondo que han introducido; un placer las imágenes:

Aquí termina la panorámica de esta curiosa planta en el cine. Para la próxima entrega ofreceré una recopilación de todos los posts creados para este fin.

Sesión de cine: Good bye, Lenin

2010-04-09T00:01:00.002+02:00

Pocas comedias se atreven con temas históricos tan espinosos como las dictaduras contemporáneas, y más si todavía los afectados están vivos para observarlas. Pero en esta ocasión se brinda una forma sutil y exquisita de juego entre lo histórico y la posibilidad de que el guión pudiera ser verosímil, aunque parezca mentira.

Good bye, Lenin (2003) de Wolfgang Becker centra su historia en una mujer que, abandonada por su marido, decide emprender todos sus esfuerzos para tirar adelante su familia y afiliarse férreamente a los ideales comunistas de la Alemania Oriental. Su vida dará un giro de dimensiones grotescas cuando vea a su hijo manifestarse a favor de la democracia que no quería implantar el político Erich Honecker. Esto la sumirá en un profundo coma, del que no despertará hasta que la caída del muro de Berlín ya sea un hecho más que pasado: la marabunta occidental con sus vicios y caprichos capitalistas harán mella en la sociedad. Su hijo intentará disfrazar la realidad como si nada hubiera pasado para que su madre no vuelve a caer en un largo letargo, que esta vez podría ser eterno. Las maniobras para ocultar lo evidente producirán una comedia inteligente en todos los sentidos.
Disfrutad de ella:

Planteamientos curiosos: Marihuana mon amour (6º parte)

2010-04-05T00:01:00.000+02:00

La entrada del nuevo milenio produjo una cantidad de cintas documentales a favor del uso de la marihuana y de las comedias desorbitadas que sería harto difícil listarlas todas. De todos modos, en esta sección -y viendo la gran cantidad de testimonios que existen-, voy a dividir en partes esta última década. Una década, que aunque todavía sufre la prohibición, gana adeptos en la forma y estilo de vida de la hierba como diversión y alimento para las mentes más abiertas.

El jardín de la alegría (2000) de Nigel Cole es una comedia que establece el conreo de la marihuana como método para salvarse de la injusta pobreza de la sociedad occidental actual. Una mujer, Grace Trevethyn, pierde a su marido y con él la situación de bonanza económica, para sortear la crisis monetaria que la invade decide crear en su invernadero una plantación cannábica (observamos que la serie de TV Weeds calca el planteamiento del largometraje). A partir de aquí sea ayudará de su jardinero para no sólo hacer germinar la hierba verde, sino que también deberán vender el producto, y lo harán dos personas que no están habituadas a hacerlo. De algún modo, el largo introduce un tipo de vendedor de marihuana muy distinto al habitual hasta el momento.

Año Mariano (2000)de Karra Elejalde y Fernando Guillén Cuervo es un vitriólico largometraje español que versa la flipada historia de Mariano, un hombre que se topa en un accidente de coche con la cremación de una plantación de marihuana por parte de la Guardia Civil. Este hecho fortuito provocará que el protagonisa inhale de forma masiva el humo de la hierba y empiece a saborear experiencias marianas con una virgen. Mariano convencerá a todo un pueblo de la existencia de tal aparición y serán los propios habitantes del lugar quienes lo encumbrarán como un santo. Es esta producción una prolongación desfasada del humor que se vislumbraba en el film Airbag (1997) de Juanma Bajo Ulloa, pero ésta utilizaba la cocaína como motor de arranque.

Emperor of hemp (2000) de Jeff Jones es un documental que focaliza la figura de Jack Herer, apodado el "profeta de la hierba". Su defensa de la marihuana en todos sus usos nos hará visualizar el cannabis como una forma de vivir, de entender la vida, de alcanzar nuevos horizontes desde una óptica muy distinta a la habitual. De algún modo se trasciende un poco más allá que los sentidos nos permiten en su estado natural. Se muestra un repaso biográfico de este personaje, que incluye vicisitudes como su encarcelamiento durante la presidencia de Ronald Reagan, y todo por su implicación dentro del panorama marihuanero.

Hashish (2002) de Daniel Grabner es un documental que centra su objetivo sobre la vida tradicional de los habitantes de Ketama, en el norte de Marruecos. El director va a mostrar el tipo de existencia de estos habituales del hashish, que continúan el legado de sus ancestros en el arte de fumar y conrear tan preciada hierba. Todo muy lejos de las prohibiciones que implica este producto en el mundo occidental. Además, observaremos cómo se empieza a fundir los objetos de la tecnología con la dilatada manera de vivir de los tranquilos marroquines. Sociología y marihuana juntos.

La Cruz de marihuana (2003) de Lourdes Álvarez es una cinta mexicana para televisión que narra la situación del emporio de la marihuana como la mafia. Vicente Glaxiola es un mexicano que alcanza el máximo nivel de capo cannábico en una organización colombiana. A partir de aquí se desatarán todas las envidias en el seno de los militantes de este sindicato del crimen organizado. Parece ser que la marihuana ya se ha asentado completamente en el mundo de las cintas de acción. Peleas, armas y demás se harán sitio en este film repleto de gruperos de narcocorridos.

The Cannabis Cup - World Champions of Marijuana (2003) de Steven Hager es un testimonio harto interesante y original que sorprenderá mucho al lector profano en el vasto mundo de la marihuana. En Ammsterdam se celebra la Cannabis Cup, un campeonato mundial que sólo puede ganar el participante que germine la semilla de cannabis más buena y fina del planeta. Equipos enfrentándose para encumbrarse como el mejor generador de plantas de marihuana. Este campeonato fue fundado ya en 1988 y se ha ido haciendo un hueco en el ilustre mundo del sibaritismo cannabico. Aquí hay espacio para todas las expresiones.
La cinta albergará notas de humor ante tal evento, recreando parodias de programas de TV, pero, eso sí, en formato marihuanero.

Nos vemos en la próxima entrega.

El vídeo curioso de hoy XXV

2010-04-01T00:01:00.002+02:00

En Monstruos invisibles es habitual reflexionar sobre los temas que subyacen a una película. No todos los films son de una calidad óptima, pero en cada uno de ellos reside (casi) siempre una idea fabulosa que nos explica, nos instruye o nos responde cuestiones fundamentales de nuestras vidas. En este espacio hemos tratado muchas consideraciones curiosas, y una más de ellas lo constituye el romance dramático Adam (2009) de Max Mayer. En esta cinta se revela la extraña relación entre una chica normal y corriente y un chico con síndrome de Asperger (trastorno autístico que impide a la persona afectada reconocer con claridad las emociones de los demás, es decir, es incapaz de empatizar con otro). En un momento del film -y aquí es donde se nos descubre un mundo maravilloso de pensamiento-, Adam decide enseñarle a su vecina un planetario casero. Las teorías cósmicas con que nos ilustra el protagonista nos van a hacer replantear muchas cosas:

La expansión del universo a velociades tan alarmantes y fuera de nuestro entendimiento invoca un nuevo punto de vista presente sobre el estado de nuestra situación minúscula con respecto al vacío infinito. La idea de que llegará un día en que el cielo termine ofuscado por la espesura del negro total es vertiginosa y deslumbrante. Nuestra vida, el mundo, el universo, el todo absoluto avanza siempre imparable sin freno, como un salto, hacia un eterno precipicio. Sublime.

Visita el resto de vídeos curiosos de Monstruos invisibles:

I, II, III, IV, V, VI, VII, VIII, IX, X, XI, XII, XIII, XIV, XV, XVI, XVII, XVIII, XIX, XX, XXI, XXII, XXIII y XIV.

Planteamientos curiosos: Marihuana mon amour (5º parte)

2010-03-26T18:07:00.005+01:00

Todo el mundo lo dice

2010-03-23T00:01:00.002+01:00

Otro vídeo musical para ritualizar cada día 23, y en esta ocasión le toca turno a un fragmento del film de Woody Allen Everyone says I love you (1996). La canción no es otra que una versión de la insinuante y genial "My baby just cares for me" de Nina Simone, célebre personalidad del mundo del jazz que le sirve al director para hacer su incursión dentro del género musical.
Allen siempre ha pretendido hacer de cada metraje una nueva o diferente manera de explicar triángulos o cuadrados amorosos donde el destino siempre acaba dando la vuelta a todo lo que uno a priori esperaba. Las mentes atormentadas, las dudas ante una relación amorosa siempre hacen su acto de presencia en personajes disconformes ante su vida ya planificada.

Planteamientos curiosos: Marihuana mon amour (4º parte)

2010-03-19T00:01:00.007+01:00

Sesión de cine: Paraíso Travel

2010-03-16T10:12:00.002+01:00

El problema de la inmigración ilegal se ha abordado desde muchas perspectivas distintas como la miseria económica, la incomprensión del país de destino, las desigualdades sociales, la injusticia, etc. Prácticamente se han tratado todos los temas que subyacen al nuevo que se ve en la obligación de ir a un país con mejores condiciones laborales.

Paraíso Travel (2008) de Simon Brand -basada en el libro homónimo de Jorge Franco Ramos- ofrece una nueva forma para explicar un salto al vacío hacia un terreno ignoto de un inmigrante que acaba irrumpiendo en un país ajeno por amor. Marlon es un estudiante que está perdidamente enamorado de Reina, una lolita y femme fatale a la vez, que con sus encantos manipulará los deseos de su amado para que se vaya con ella a un viaje terrible hacia las profundas calles de Nueva York. La técnica narrativa que utilizará el director nos sumergirá en un vaivén de historias que se irán montando una sobre otra para resultar una trágica pero realista historia de amor, con todas sus virtudes y defectos. El planteamiento inicial es inmejorable: Marlon se pierde en las calles de Manhattan y no tiene a nadie con quien contactar para sobrevivir en la espesura urbanita. Buscar a Reina en un averno como ése va a provocar que Marlon acabe desesperando. Su búsqueda será un viaje iniciático que bien podría ser el epílogo de una vida: un hombre solo y perdido.

Planteamientos curiosos: Marihuana mon amour (3º parte)

2010-03-13T08:22:00.015+01:00

La próxima entrega sobre la marihuana versará sobre el prolífico mundo de los panfletos y ficciones en la década de los 70. Los ejemplos estarán cada vez más inclinados hacia la apología, aunque con sorpresas de algunos estamentos que continúan su lucha contra el demonio verde.

Extraño rebobinado

2010-03-10T09:00:00.001+01:00

La técnica del rebobinado no suele ser muy frecuente en largos, es más habitual en videoclips, cortos o formatos de impacto y de corta duración. El gran problema de este sistema es que hay que crear una historia que enganche al espectador al principio y al final y enhebrarlo todo con una historia consistente, con sentido.
En los inicios de este blog vimos una de las grandes obras maestras cinematográficas con La ruta natural (2006) de Álex Pastor, un título que reza un palíndromo -palabra o frase que se lee igual tanto del derecho como del revés- que se constituye en la historia que se explica.
Recordemos ese momento:

Creo que este testimonio es el más perfecto que podáis encontrar, pues la historia está perfectamente medida para estar dispuesta en este formato.
No hace tanto tiempo pudimos disfrutar de otro ejemplo -aunque con propósitos distintos- en los títulos de crédito iniciales de la película Ex drummer (2007) de Koen Mortier.

Ex from Dante D on Vimeo.

El último ejemplo lo representa Rewind (2009) de Daniel Marini, un cortometraje que muestra a un hombre en estado de inconsciencia que despierta. ¿Qué tipo de extraño rebobinado habrá utilizado Marini para recrear la escena? Porque no conocemos el engaño hasta el final del metraje, y aún así nos parece ver un efecto inverso. ¿Ha grabado de forma natural? Veámoslo:

Corto "Rewind" from Petroliofactory on Vimeo.

Diferentes formas de ver una historia al revés.

Planteamientos curiosos: Marihuana mon amour (2º parte)

2010-03-06T02:55:00.004+01:00

Después de ver estos supremos ejemplos no podemos hacer más que buscarlos para conocer el punto de vista del espectador medio de la época.

El vídeo curioso de hoy XXIV

2010-03-03T00:01:00.002+01:00

Poquísimas películas reafirman la figura del soltero con todas sus ventajas y rechazan el prototípico devenir de una persona que sigue las normas de casarse y tener hijos. La comedia norteamericana Como en casa en ningún sitio (2008) de Seth Gordon no tiene pelos en la lengua para mostrar unos diálogos sinceros que expresan la idea de cómo una pareja no tiene la obligación de repetir los cánones que todo el mundo sigue por la sencilla razón de que no siempre funcionan. Los deseos sentimentales surgen de forma natural; no por una imposición que ha creado alguien ajeno a la pareja, que es la verdadera involucrada en una relación.
Kate (Reese Whiterspoon) y Brad (Vince Vaughn) mantienen una relación perfecta: hacen lo que les da la gana y cuando les apetece, sin preocuparse de nada más que estar juntos y quererse. Para el resto de la sociedad esta actitud no parece ser normal, tal vez porque ven en ellos una pareja ideal y feliz que muchos no han sabido mantener o conseguir. De todos modos, ellos no se mueven por las directrices de los demás: se mueven por sus propios sentimientos.
Veamos una deliciosa escena donde Brad y Kate terminan de hacer unas clases de baile y se encuentran con 2 parejas casadas. Desde luego tanto Brad como Kate sueltan unas verdades que muchos matrimonios necesitarían oír:

Qué agudeza de razonamientos tan bien traídos y cuánta razón tienen que dejan al resto de matrimonios con una cara bochornosa. Algo han dicho que ha apuñalado a lo más hondo de su autoestima sin herirles, simplemente se arguye con una verdad que muy pocas veces se expresa.

Visita el resto de vídeos curiosos de Monstruos invisibles:

I, II, III, IV, V, VI, VII, VIII, IX, X, XI, XII, XIII, XIV, XV, XVI, XVII, XVIII, XIX, XX, XXI, XXII y XXIII.

Planteamientos curiosos: Marihuana mon amour (1º parte)

2010-02-27T08:36:00.011+01:00

Segundo aniversario Monstruos invisibles

2010-02-23T00:37:00.003+01:00

Hoy día 23 se cumplen 2 años de Monstruos invisibles, un blog donde prima la reflexión sobre el séptimo arte, pero siempre el más curioso.
83 entradas en este segundo aniversario y 231 en el recorrido total hasta el momento, más de 61.000 visitas y más de 215.000 visualizaciones del Canal Monstruos invisibles (sin contar los canales en Megavideo, Vimeo y Tutv). Cifras despreciables para blogs más conocidos; muy importantes para un servidor. Y para ello doy mi más sincera gratitud a todos aquellos que habéis visitado y comentado las entradas de este espacio.

Aunque la cantidad de entradas en este segundo año ha sido menor, no ha sido propiciado por la falta de ideas, más bien al contrario, hay decenas de artículos que todavía están por terminar o por hacer: el tiempo es mi mayor enemigo.
Como en el primer aniversario hice una pequeña autoentrevista, voy a dejaros con algunas curiosidades que han ocurrido en este espacio y un pequeño repaso a los mejores momentos fílmicos que he colgado en la red para aderezar las entradas que publicaba.

Curiosidades:
-Este humilde blog vale, según el contador Stimator, 2.342 $; para la página "Business oportunities", 564'54 $. Dudo mucho que mi espacio valga algo y aunque así lo fuera nadie pagaría por él, pues, ¿de qué serviría comprar una página personal que sólo se nutre de reflexiones sobre ciertos temas aparecidos en los films?
-Hace mucho tiempo elaboré una entrada sobre una película y la comparaba con otra que mantenía algunas similitudes. El propio director de uno de los films se sintió atraído por el post y decidió comentarlo, ¿adivináis de cuál se trata? Podéis rebuscar en el archivo de Monstruos invisibles.
-Hace más de medio año conocí a una persona que me recomendó este blog. Muy raro me pareció al ser éste un sitio poco transitado.
-Por un error que se produce en la página Blogger un día se me borraron numerosas entradas y tuve que volver a escribirlas de memoria, con un resultado diferente, claro está.

Y ahora vayamos a los vídeos más emblemáticos de esta segunda etapa:
En el primer alegato a favor del cine se nos muestra dónde fueron a parar todas esas películas que nadie más volverá a ver:

Aparecido en uno de los Alegatos a favor del cine, Salvador Dalí nos habla del arte y, en concreto, del mal uso que se hace de él:

Con esta persona aprendimos que la locura se entremezcla con la genialidad. Apareció en la entrada "La extraña percepción de la realidad":

Y como guinda, el musical del cual tengo pendiente todavía hacer una entrada, The forbidden zone:

Muchas gracias a todos por prestarme unos minutos en el mundo de los Monstruos invisibles.

Sesión de cine: Control

2010-02-21T02:12:00.002+01:00

Muchas películas sobre bandas de rock se han elaborado a lo largo de la historia; pocas tienen un calado dramático y hasta trágico tan veraz y creíble como el film que os propongo hoy como sesión de cine: Control (2007) de Anton Corbijn.

La película narra los inicios pletóricos de una banda prometedora como Joy Division para luego subrayar el desarrollo artístico y luego el declive con la muerte de su cantante, Ian Curtis. No chafo ningún final al anunciar la trágica muerte del líder del grupo, pues la banda no sigue en activo. La banda post-punk firmó algunas composiciones de culto que se han grabado en el ideario colectivo de los incondicionales y ha pasado totalmente desapercibido para los más profanos. Tal vez la melancólica canción "Love will tear us apart" pueda sonar al público, pero aunque desconocidos en nuestras tierras, esta banda sirvió de acicate para bandas más famosas en el panorama ochentero. La fugaz y atormentada vida de Ian Curtis nos sumergirá en una vorágine del teatro de la vida.

Tres crucifixiones

2010-02-18T09:38:00.001+01:00

El influjo de la técnica de la fotografía como fotograma ha sido poco aprovechada en el mundo del séptimo arte. Chris Marker con su cortometraje La jetée (1962), colgado en este blog y en la red de vídeos más conocida, inició una brillante historia apoyándose en esta compleja y difícil técnica que dio unos resultados maestros. Fuente de inspiración para el largo 12 monos (1995) de Terry Gilliam, ha cristalizado una influencia para articular el discurso de un cortometraje español, mencionado en una anterior entrada, pero no colgada en este espacio. Me estoy refiriendo a Tres crucifixiones en el parque del Retiro de Antonio Sanmartín Atienza, quien usa una cámara digital.

Recuperemos en esta misma entrada la base sobre la que se apuntala este corto, el premiado trabajo de Marker, considerado en este blog como mejor cortometraje, La jetée, dividido en 3 partes:

Aunque la obra de Marker no tuvo una influencia notable en su forma de utilizar la cámara, sí lo tuvo en su estética y en su estructura narrativa, como lo demuestra el film The jacket (2005) de John Maybury.

Cortodemente

2010-02-13T08:40:00.004+01:00

No es muy habitual encontrar una teoría personal sobre el amor por el cine en un cortometraje. Menos frecuente es hacer de ello una muestra natural de opinión, que puede verse involucrada por la ficción (habla un personaje; no es un documental) y por una teoría personal que a muchos no puede agradar.
Cortodemente (2008) de Paco Ruiz Giménez es simple en su puesta en escena por el intimismo que se quiere transmitir y curiosa por su expresión de las teorías personales sobre el séptimo arte visto en una sale de cine.

Maravillosa teoría la de los focos (que, por cierto, aparece en Los simpson, T.9, ep.13) y la de la poca consideración por los demás cuando vamos a una sala infestada de personas que hablan, ríen o se burlan de algo que nadie les ha obligado a ver. Sutilmente se encierra una ironía; pero... ¿acaso no nos parece que esto lo hemos pensado alguna vez?

Bandas sonoras directas VII

2010-02-05T09:32:00.003+01:00

La dedicación con que algunos directores se han esmerado en presentar la banda sonora de sus films es el motivo principal de este tipo de entradas. Se nota que se le da importancia a este elemento, que en muchas ocasiones es banal o superfluo, o mal considerado.

María Antonieta (2006) de Sofia Coppola es un ejemplo de buena selección musical que se centra en la música pop-rock indie en un contexto fílmico que parece no adecuarse del todo. Grupos como Siouxsie & The Banshees, The Cure, New Order o The Strokes darán fe del ambiente que se quiere transmitir en las largas noches de fiestas palatinas en la segunda mitad del siglo XVIII. Toda esta banda sonora se verá aderezada con 2 CD que mezclarán de una forma sugerente la música de época con brillantes melodías rockeras y versiones originales como el de la canción "Fools rush in", que engarza perfectamente con el siguiente ejemplo.

Clickad sobre la imagen para la descarga directa

Buffalo '66 (1998) de Vincent Gallo es un referente en este blog, pues congrega todo lo que una buena cinta independiente necesita para ser una obra genial del séptimo arte. Uno de los elementos sublimes es el de la banda sonora, repleta de grandes canciones de tono pop-rock independiente y versiones muy logradas, como la de "Fools rush in", entre otras. Imprescindible hilo musical para comprender cómo Gallo estudió cada canción para que se adecuara a una atmosfera concreta de su historia.

Clickad sobre la imagen para la descarga directa

Visita el resto de entregas de esta sección:
-Bandas sonoras directas I
-Bandas sonoras directas II
-Bandas sonoras directas III
-Bandas sonoras directas IV
-Bandas sonoras directas V
-Bandas sonoras directas VI

El vídeo curioso de hoy XXIII

2010-01-29T00:01:00.003+01:00

Bret Easton Ellis es un escritor famoso por su novela American Psycho (1991), pero, amén de su adaptación cinematográfica del 2000, por Mary Harron, también ha aportado maravillas literarias que lo han catapultado como un crítico de la sociedad pija nortemericana de los años 80. Con la destreza típica de un entomólogo, ha diseccionado, parodiado y escarnizado los defectos más excéntricos de esta capa social que nunca había sufrido hasta el momento una radiografía a fondo. En USA, hasta la publicación de la opera prima Menos que cero (1985), nadie había puesto en duda el tipo de vida que llevaban los universitarios y jóvenes de las clases altas. De hecho, se les veía como a un estrato límpido de vicios, pues se iban a transformar en la clase dirigente del país. Pero Ellis desenmascaró con frialdad las verdaderas intenciones y pasiones de estos locos por el sexo, las drogas, la avaricia, el egoísmo, la egomanía, etc. Es decir, en realidad son la lacra con más pobredumbre de la sociedad.
Un día hablaremos de las versiones cinematográficas de su primera obra, junto con Las leyes de la atracción (1987), puesto que American Psycho fue reseñada en una antigua entrada. Pero si de otra obra tendré que hablar dilatadamente y ahora explicaré sumariamente es The informers (o Los confidentes), un libro de relatos de 1994 y que ahora mismo ocupará un puesto dentro del apartado de los vídeos curiosos.

La puesta en escena de este libro es del 2009, a manos del director Gregor Jordan, pero el script está compuesto por el propio escritor junto con Nicholas Jarecki. Premiada por el Festival de Sundance, esta cinta aglomera las vicisitudes de adolescentes adinerados rebosantes de desidia, pero ávidos de experiencias narcóticas, encuentros sexuales peligrosos y violencia desalmada. A ello se unirán las personalidades de diferentes personajes que han seguido y hasta propiciado esta caída al vacío de una sociedad quemada: los padres y las bandas rockeras.
En un momento del film, una megaestrella de la música, que es un alcohólico, drogadicto y depravado sexual -ansioso por los cuerpos de las y los menores de edad-, se reúne con un productor que tiene la idea de hacer una película sobre la banda.
Atención a cada detalle, porque en 2 minutos se desgrana toda la personalidad del business norteamericano que nadie nos cuenta:

La visión truculenta del SIDA en los ochenta que se aprecia en el noticiario de la televisión se suma a los imperativos del cantante, quien tiene el deseo de llevarse a la menor -con el pleno consentimiento de los dos adultos del habitáculo- sin ambages. Asimismo, las ideas absurdas del productor no hacen más que evidenciar la porquería que se elabora en la magnífica fábrica de ideas de Hollywood: crear basura para que dé dinero, es decir, la gente consume mierda. Qué lástima que todavía estos guiones hechos para superestrellas sigan dando dinero y qué desgracia que permitamos que una persona, por el sólo hecho de ser famoso, pueda hacer lo que le venga en gana y se salte las normas establecidas. Qué mundo más idiota nos ha tocado vivir, y lo peor es que nunca saldremos vivos de este planeta.

Visita el resto de vídeos curiosos de Monstruos invisibles:

I, II, III, IV, V, VI, VII, VIII, IX, X, XI, XII, XIII, XIV, XV, XVI, XVII, XVIII, XIX, XX, XXI y XXII.

Créditos sublimes IV

2010-01-26T00:01:00.004+01:00

Las posibilidades que ofrece la creación ingeniosa de títulos de crédito en las películas no conoce límites. No es raro que este apartado lleve ya 4 entregas -y las que quedan-, pues dentro de este inexplorado campo se han labrado unos tremendos testimonios de alarde artístico.

Vayamos a ver un soberbio ejemplo a manos de la cinta colombiana Paraíso Travel (2008) de Simon Brand, basada en el libro homónimo de Jorge Franco Ramos. Una fabulosa historia sobre inmigrantes ilegales en el corazón de Nueva York. Marlon y Reina viajan de forma clandestina al país norteamericano esquivando todo tipo de obstáculos terribles. Cuando llegan a una especie de refugio para desalmados, Marlon decide salir a la calle a fumar, pero el injusto destino querrá que unos policías lo vean y lo quieran detener. Como el protagonista no sabe inglés, escapa corriendo varios kilómetros. Sin embargo, se dará cuenta que se ha perdido en el peor sitio donde podía haber caído: las terribles calles de Manhattan. Sin salida, sin dinero, sin conciencia de dónde está: un drama puesto en bandeja. Todo se verá hilvanado al más puro estilo de Guillermo Arriaga y de Alejandro González Iñárritu, pero con elementos propios. Los títulos de crédito iniciales no pueden ser más originales y diestros, mostrando una colmena de personas con diferentes modos de pasar el tiempo dentro de un inhóspito edificio de pisos.
Adelante:

El segundo ejemplo es ya un conocido en este blog: JVCD (2008) de Mabrouck el Mechri. Aunque a muchos les pesa, es ésta la cinta que inicia la oleada de films paródicos o imitativos de actores venidos a menos (seguido por Bruce Campbell y Mickey Rourke) y sienta las bases de una nueva forma de exprimir al máximo, aunque de forma harto original, la esencia interpretativa de un artista.
Los títulos de crédito empiezan 'in media res', es decir, con la acción ya iniciada, donde se desgranan todos los avatares tópicos de una película de peleas y sangre al más puro estilo de la serie B. Soberbio plano secuencia donde no hay tregua para que el protagonista termine con la vida de todos sus enemigos.

Visita el resto de entregas de esta sección:
-Créditos sublimes I
-Créditos sublimes II
-Créditos sublimes III.

Más pelo y más sprays

2010-01-23T00:01:00.003+01:00

Un nuevo mes, que se estrena con un vídeo relacionado con una anterior entrada de este blog, renace para dar otra muestra de los musicales en el séptimo arte. Después de la histriónica visión de John Waters sobre este género en Hairspray (1988), en el año 2007 se quiso exprimir la fórmula con un remake protagonizado por numerosísimas estrellas hollywodienses con canciones pegadizas y ritmos y coreografías imitables. Vaya, todo lo contrario que pregonó Waters en su primigenia cinta, ahora a manos del director Adam Shankman. La esencia de la cinta se ve edulcorada si la comparamos con la ochentera pero, claro, son ópticas muy distintas. Aunque, eso sí, la laca hace su imperiosa aparición en peinados que ahora se nos antojan extravagantes, aunque deliciosamente kitsch.

Visitas

2010-01-17T10:13:00.000+01:00

"A todo cerdo le llega su San Martín". Ésta debe ser una de las máximas que muestra el siguiente cortometraje: Visitas (2008) de Juan Schnitman. Una escena simple de unos testigos de Jehová pasando puerta por puerta intentando dinfundir sus creencias se ve parada cuando una mujer les presta una mínima atención. A partir de aquí la batalla verbal empieza para desarrollarse en una divertida comedia.

Nunca sabes dónde puedes ir a parar. Esta mujer seguro que conoce el código de Hammurabi. Hasta los tiburones tienen depredadores que los acosan. Todo es ponerse a contraatacar. Ojo por ojo, diente por diente.

Sesión de cine: El mariachi

2010-01-10T10:40:00.001+01:00

Pocas veces ocurre que una película con tan poco presupuesto consiga superar las fronteras que tanto ansían las grandes producciones del cine comercial. Éste es un film independiente que sabe explicar una historia de acción donde se mezclan el drama y el romance de una manera original, y dotando a sus personajes de una entidad mexicana con visos de despuntes norteamericanos.
El mariachi (1992) de Robert Rodríguez constituye uno de los valores importantes a tener en cuenta en el panorama del séptimo arte.

La rentabilidad de la cinta va muy acorde con la calidad de la historia: Rodríguez gastó sólo 7.000 dólares, cifra que recaudó en una sala de un cine de mi ciudad, para que nos hagamos una idea. Éstas dos variables quedarían desestabilizadas cuando el director se rindió a las exigencias y maneras del cine más hollywoodiense y empezó a cristalizar un cine muy distinto al caso que nos ocupa hoy.
Rodada en 2 semanas y grabada con una cámara prestada, la película nos cuenta la historia de un mariachi que busca trabajo allá donde se le requiera. El fatal destino querrá que se cruce con las terribles artimañas de unos matones, quienes verán cómo se produce una espléndida ocultación y confusión de identidades entre el protagonista y uno de los malos por culpa de una funda de guitarra. El inocente se encontrará justo en medio de un fuego cruzado en una vorágine de venganzas, tiros y muertes. Endiabladamente perfecto.

Inversión de roles

2010-01-04T12:40:00.002+01:00

Estamos muy acostumbrados a no poner en duda el papel de los personajes según su nacionalidad o condición en un film, es decir, el primero en morir en un largo de terror siempre será el actor de raza negra o hispano; las historias de delincuencia callejera siempre estarán protagonizadas por afroamericanos; los oprimidos en una sociedad capitalista serán las minorías raciales o étnicas, y un largo etcétera. ¿Por qué no se hace una inversión de roles? Como mínimo para observar qué pasaría. Pues hoy os presento dos ejemplos donde esto se ha producido:
-El salario del miedo (1953) de Henri-Georges Clouzot
-Atrapado (1995) de Desmond Nakano

El salario del miedo es un film basado en la novela homónima de Georges Arnaud, donde lo primero que ha primado siempre -a la hora de describir el guión- ha sido la peripecia tremenda sobre la que pivota gran parte del film: unos hombres tienen que conducir unos camiones cargados de nitroglicerina por unos territorios agrestes si quieren conseguir un salario, el mínimo para poder volver a su país y no quedarse en el sitio donde se encuentran: una república suramericana (no se especifica cuál es; aunque a veces resulta evidente).
Hasta ahí es donde la crítica ha visto la tensión brutal que subyace a este tremendo producto, pero nada se ha hablado del lado social o la inversión de roles que se produce, pues es lo primero que se observa cuando empezamos el metraje: se encuentran unos europeos y norteamericanos vagando sin dinero por un país suramericano; y lo mejor de todo: son explotados por trabajos esclavistas y los foráneos del territorio los insultan y tratan como sabandijas, como ciudadanos de segunda. Cuando vemos este panorama, nos da la sensación que en la cruda realidad es absolutamente al revés. Los norteamericanos y europeos son los que reinan allí donde van y son los suramericanos los sometidos, sea en su territorio o en el nuestro.
Veamos un ejemplo para clarificar mejor lo explicado. Nuestros protagonistas se encuentran vagabundeando en el porche de una tienda de comestibles:

La situación nos sorprende, pero en la medida en que parece que esto nunca le podría pasar a los protagonistas en una sociedad como en la que vivimos.
Fijaros en las palabras del tendero: "Soy un ciudadano de este país; no un extranjero de mierda". Es curioso cómo, incluso, ellos se quedan mirando una persona de raza negra que está subida en un carro destartalado y viejo y espetan:
-Ese cabrón, ¡qué suerte tiene!
-Lo que daría yo por un trabajo así.
Parece que la miseria que sufren en la realidad los immigrantes actuales se está cerniendo sobre los acomodados. Interesante punto de vista que merece la pena considerar.

El segundo ejemplo muestra más explícitamente la problemática de la inversión de roles y se centra en los blancos y negros dentro de la sociedad norteamericana actual.

Atrapado es un documento interesante en su propuesta, pues sobre él pivota toda la problemática de la lucha entre clases por el color de la piel. Pero, claro, quien tiene dinero y poder somete a quien sea.
Entonces la cuestión pasa por encima de cualquier raza.
La originalidad de la cinta estriba en que es una historia harto vista, pero desde el bando del oprimido real: la persona de raza negra. Aquí se van a cambiar los papeles: las personas poderosas, racistas, adineradas y con prejuicios van a ser los negros; los blancos, los oprimidos, delincuentes e injustamente tratados por una sociedad que no los trata como seres humanos normales y corrientes. Tremendo.
Todos los horribles defectos de unos y otros se van a plasmar en una cinta que se debate entre la caricatura casi humorística y el drama terriblemente real de una civilización que zozobra hacia un mar de caos e ignorancia. La manera en que se trata el racismo y la xenofobia es magistral, pero vayamos a ver de qué trata exactamente:
en un mundo dominado por personas de raza negra, Louis Pinnock (John Travolta), de raza blanca, trabaja modestamente en una empresa haciendo todo tipo de recados. En un acto de desplante, un amigo de su jefe le sugiere que lo despida, y así lo hace. Con los terribles problemas económicos que sufre Pinnock (vive en un barrio muy problemático y ha de subsistir con un sueldo insignificante para sobrellevar a su familia), decide raptar al amo de la empresa, harto de tantas injusticias con los blancos. Pero lo lleva a cabo para que el adinerado se de cuenta de la equivocación que han cometido. A partir de aquí se descubrirán las caretas de las clases dominantes y de los sometidos, donde la honradez y bondad soprepasarán cualquier color de piel.
Veamos un ejemplo parecido al de El salario del miedo, pero en Atrapado, donde se traslucen todas las ideas expuestas:

La conversación que mantienen los comensales son las mismas que ocurren en las cenas de negocios de la sociedad real, adueñadas por blancos.
No importa de qué color es la piel de los grandes magnates; el dinero y el poder corrompen a todas las almas humanas.

Violencia en papel

2009-12-31T09:12:00.007+01:00

Después de la arrolladora experiencia de plasmar la violencia en plastilina a manos de Takena Nagao, vamos a trasladarnos a otra sublime forma de retratar la vorágine de golpes, sangre, decapitaciones, etc. en un cortometraje hecho exclusivamente en celulosa. La idea del movimiento entre los personajes va a estar determinada por la rapidez en que el director mueva unos trozos de papel. Videogioco (2009) de Donato Sansone es uno de los últimos reductos de este año que se diluye, pero que goza de ejemplares muestras de cine independiente.

Pero, mejor, vayamos a ver sin preámbulos esta extraña joya:

VIDEOGIOCO by Donato Sansone from Enrico Ascoli - Sound Design on Vimeo.

Muchos soportes son los que se pueden utilizar para expresar las ideas más macabras de unas mentes enfermizas y ávidas de sanguinolientas aventuras que, por cierto, tanto nos atraen y gustan.

Ampop Films

2009-12-26T11:22:00.000+01:00

Para los amantes del cine antiguo en inglés existe -paradógicamente- un canal en Youtube que permite visionar películas enteras sin interrupción alguna. Es curisoso el caso de Ampop Films.

Podréis encontrarlo:
-desde Youtube
o
-desde la página Sling

Allí encontraréis títulos tan variopintos como: Carnival of souls, Night of the living dead, Return of the Kung-Fu Dragon, Wasp woman, The best of Abbott and Costello, y un larguísmo etcétera.
Debido a que las compañías cinematográficas han vetado la difusión de estos films por la red, se han anulado los códigos de las películas para insertarlos en otros espacios que no sean este canal. Uno de los pocos testimonios que todavía no han sucumbido a esta prohibición absurda es el "documental" panfletario de la extrema derecha norteamericana llamado Reefer Madness (1936) de Louis J. Gasnier. En este largo se intenta evitar que la población joven caiga en la tentación de fumar marihuana, pero desde una óptica totalmente deturpada y exagerada, tanto es así que la han transformado como un ejemplo de película de culto. Se trata a esta droga como el mal más pernicioso de la sociedad, calificándola como más peligrosa que la heroína y la cocaína. Las risas están, por tanto, más que aseguradas.
A disfrutar:

Tejados y violines

2009-12-23T00:01:00.000+01:00

La Kabbalah, corriente del pensamiento judío, comprende el número 23 como símbolo de la recompensa kármica, así expresa el éxito profesional y personal. En este blog significa un mes de vida más, que no es poco.
El vídeo de hoy pertenece a la película El violinista en el tejado (1971) de Norman Jewison y basada en la novela Las hijas de Tevye de Sholom Aleichem. La canción no es otra que la celebérrima "If I were a rich man", un alegato a la fortuna de tener más poder económico.
El film versa la historia de un padre tradicional, Tevye, que se contenta con poco y que mantiene la honradez en su trabajo, pero quiere para sus hijas un futuro mejor. Por mucho que batalle para desposarlas con pretendientes más bien remunerados que él; los cambios políticos van a tirar por el suelo sus anhelos. Y es que el dinero tan rápido como viene, se va. Y si uno no está en el poder, pierde todo lo que tiene.
Los deseos se escapan como las notas de un violín ondeando por un cielo raso. Al final lo que escucha uno a lo lejos es al viento ululando.

El búfalo perdido del 66

2009-12-18T16:48:00.003+01:00

Vincent Gallo es un personaje peculiar dentro del panorama artístico, pues ha conreado la carrera de actor, director, modelo de ropa, pintor, compositor y cantante. Dentro de esta
marabunta de creaciones, vamos a centrarnos en el aspecto del séptimo arte, donde ha cristalizado dos films y ha protagonizado numerosos largos. Su labor en este campo ha demostrado que es un actor difuso, perdido en metrajes poco imaginativos y mediocres -amén de alguna pequeña excepción, pero que muy pequeña-.
Pero Vincet encuentra el norte con un imaginativo y brillante producto (en el año 1998) con Buffalo'66, donde convergen una ideal tarea de director con la de guionista y actor.
Genial película donde se establecen unos cánones muy personales de encuadre, fotografía y con una historia que se debate entre la comedia sutil y el drama conmovedor, lejos de cualquier cliché totémico de la industria cinematográfica.
El largo está dividido en 2 partes por su tono:
-la primera es una comedia repleta de ironía y humor negro;
-la segunda; un drama tintado de experiencias derrotistas con una evolución magistral.
La historia que nos cuenta Gallo no puede ser más sublime:
Billy Brown es un hombre que sale de la prisión después de haber pasado los últimos 5 años encerrado por un delito que no ha cometido. Para evitar la vergüenza social de tal acto, miente a sus padres aduciendo que es un hombre de negocios adinerado y casado que ahora se encuentra en la ciudad. Sus progenitores, Jimmy (Ben Gazzara) y Jan (Anjelica Houston), le piden que los pase a visitar con su "mujer". A Billy no se le ocurre otra animalada que secuestrar a una bailarina, Layla (Christina Ricci), para que se haga pasar por su esposa. A partir de aquí se sucederán algunas de las escenas más memorables de esta película, donde se mezclarán las originales técnicas de encuadre de Gallo con la disección de personajes locos: sus padres esconden unas terribles extravagancias que propiciaron la inclinada vida de Billy.
Veamos un fragmento: Billy llega a su casa con su nueva esposa y ésta conoce a sus padres.

Las posiciones de cámara de Gallo no dejan de sorprender por su originalidad, pues, como hemos visto, en un principio hay 4 personas que ocupan la mesa y cada vez que uno se levanta o calla, la cámara se pone en la posición de la silla vacía o muda. De esta manera se crea una sensación extraña de "decorado falso", parece que cambie, pero no es así.
El personaje de Billy contendrá un fondo interesantísimo que estará basado sutilmente en el equipo de los Buffalo, así se enhebrará el guión con el resto de personajes: la madre, su amigo Rocky, un mafioso, etc.
Layla nos deleitará, además, con dulces escenas de baile y es aquí donde veremos a la mejor Christina Ricci.
Vayamos a ver a Layla interpretando "Moonchild" repiqueteando sus zapatos de claqué. Sencillamente hermosa:

Con estos tintes de película vintage más la forma fabulosa del cine underground, Gallo nos obsequia con una obra maestra de la comedia y drama.
No tiene pérdida: las escenas en un club de striptease en el coletazo final del metraje.
Terminemos este post con Jimmy interpretando una deliciosa canción, dedicada a Layla, acompañada de una excentricidad final:

Créditos sublimes III

2009-12-15T01:01:00.006+01:00

Retomando la sección de las menciones más especiales en lo que concierne a los títulos de crédito de los films vamos a deleitarnos con 2 ejemplos más de este fascinante arte.
El primero es todo un clásico en el cine de acción y que merecerá una especial reseña en una futura entrada: Steve McQueen en Bullitt (1968) de Peter Yates. Una fabulosa introducción nos sumerge en las intrincadas tramas de mafias y policías en una lucha inusitada de subterfugios sin descanso.
La forma en que se urde una historia en estos títulos son maravillosos, brillando por encima de cualquier metraje actual que invierta millones en efectos especiales. La música jazz que se oye de fondo -del compositor Lalo Schifrin- no puede amoldarse mejor al ritmo y a las imágenes que se van sucediendo, con una técnica envidiable y muy difícil de superar.
Obra maestra, sin duda alguna.

El segundo ejemplo representa un film ya conocido en este blog por haberse tratado en la penúltima entrada: Ex drummer (2007) de Koen Mortier.
La originalísima propuesta del director no puede dejar indiferente a nadie, pues, a parte de insertar una historia harto interesante, lo muestra de una forma que en otras manos sería un desastre: crear un rebobinado de unos minutos filmados de forma normal y que quede perfecto.
Además, Mortier nos deleitará con unos efectos curiosos en la forma en que aparecen los créditos: se encuentran escondidos en todo tipo de objetos, en la cabeza de los personajes, etc.
Todo un hallazgo este título de crédito que demuestra una vez más que se puede todavía labrar en un campo antes yermo, que es el de este microgénero.
Adelante con las aventuras del grupo de rock:

Visita el resto de entregas de esta sección:
-Créditos sublimes I
-Créditos sublimes II.

La cornamusa a la deriva

2009-12-11T21:57:00.000+01:00

Muchas veces es difícil discernir cuándo una película se está basando en un hecho real, pues en el momento de la recreación fílmica se añaden elementos ficticios para que se amolden al ritmo y al género en el que se quiere encorsetar.
Open water 2 (2006) de Hans Horn es un largometraje que se basa en un hecho real bastante truculento: unos jóvenes se lanzan en alta mar con un yate, enclave perfecto para poder dar rienda suelta a los placeres etílicos y a un baño reconfortante. Todo ello provocará que, con la euforia de lanzarse desde la borda, olviden lanzar la escalerilla que les permitiría volver a subir y retornar a casa. Un infierno en las aguas.
Este hecho, que supone un porcentaje de muertes en alta mar (aunque no lo parezca), sirvió de apoyo a Horn para articular un film terrorífico, pues uno siente que le podría pasar (puede parecer imposible, pero cabe una posibilidad más grande de lo que creemos). Pero lo más curioso -y en esto se apoya esta entrada- estriba en que ese mismo año se creó un cortometraje español que usaba el mismo hecho real que Open Water 2: Cornamusa (2006) de Nacho Albert.
El planteamiento y desarrollo son absolutamente calcados, y aquí cualquiera podría sospechar que existe la sombra implacable del plagio en uno de los dos. Resulta raro que un hecho real sea convertido en film dos veces en un mismo año. Pero hay algo más que nos va a resultar más extraño y fascinante en este entramado de películas iguales. Pero antes, vayamos a ver los dos ejemplos.

Cornamusa (2006) de Nacho Albert:

Open water 2 (2006) de Hans Horn:

Viendo las enormes concomitancias de los dos ejemplos podemos llegar a la conclusión de cómo es posible que en un mismo año dos proyectos se apoyen sobre un hecho que podría haber ocurrido hace años. Puede ser casualidad, pero lo que no es tanta casualidad es que el film de Hans Horn en Australia se llamaba Adrift, y en otras partes del mundo se le añadió por el motivo siguiente: es el nombre de un relato corto de Koji Suzuki, del libro Dark Water, el mismo libro que contiene otra historia que sirvió de guión a la celebérrima cinta de terror japonés (2002) de la que se hizo una versión norteamericana en 2005. Y, por tanto, el cuento "Adrift" narra las mismas vicisitudes que se describen en los ejemplos anteriores.
¿Quién copia qué o a quién? ¿Se basan realmente en un hecho real alguna de las dos? ¿Por qué aparecen en el mismo año?
Misterios insondables de la industria cinematográfica, pues ¿será el cuento de Suzuki un hecho real? ¿Qué sea verosímil lo convierte en no ficticio?
Demasiadas preguntas conllevan una duda terrible sobre lo que estamos viendo.
Por cierto, una cornamusa es un instrumento de viento de la época romana que contiene dos vocablos: corne 'cuerno' y muse 'divertirse'. A divertirse al agua.

Antes, batería; ahora, perdedor

2009-12-07T08:50:00.005+01:00

¿Qué tienen las historias sobre perdedores y gente derrotada que tanto nos fascinan? Considero que es el tipo de personajes que más público atraen, supongo que por la morbosidad decadente que nos despiertan, donde sus miserias más execrables nos hacen disfrutar de sus vidas abolidas por monstruos invisibles creados por ellos mismos, o engendrados por una mísera sociedad que permite que gente de lo más estúpida esté en el poder o en la más absoluta miseria.
Ex drummer (2007) de Koen Mortier no es una obra maestra, ni siquiera formula debates nuevos sobre la problemática de las estirpes más baja de un país, pero sí muestra una hornada de hordas deliciosas de perdedores con un descaro que muchos censurarían y con unos efectos visuales chocantes. La historia no puede ser más bizarra: Dries es un escritor que recibe la inesperada y extraña visita de 3 personajes "minusválidos" que desean que forme parte de su grupo de rock, pues les falta un batería. El único problema es que Dries no es "minusválido", como el resto del elenco, y, además, no sabe tocar la batería. Koen, el cantante, es un skinhead con un detestable defecto al hablar que, a parte de ser un terrible violador, tiene la extraña manía de vivir cabeza abajo, es decir, caminando sobre el techo. Iván es un guitarrista completamente sordo con una compulsiva adicción a las drogas y que vive con su mujer e hija, de lo más deleznables que uno pueda encontrar. Finalmente está Jan, un bajista que tiene un brazo inutilizado -no lo puede doblar- y que vive con una madre violenta y calva y con un padre que se encuentra atado con camisas de fuerza a una cama.
¿Qué más se puede pedir? Pues un vídeo que he subido y que ilustra aproximadamente las delicias de esta soberbia gente.

El muestrario que ofrece Mortier en algunos momentos es como un calco de películas como Trainspotting, Dead or alive y un ritmo de las diálogos harto usado hasta la saciedad por el sobrevalorado director Guy Ritchie, amén de una larga lista de otras influencias.
Pero al fin y al cabo lo que nos interesa son tres elementos que se pueden subrayar de esta bizarra cinta: las perversiones y curiosidades de los personajes, la insólita historia y los efectos visuales que ofrece el director. Ésta baza es la más imperiosa de la película, y es la más original y atractiva.
Una cosa nos enseñarán: todos los extremos acaban fundiéndose en los vértices de un círculo inacabado que acaba fundiéndose. Todos somos perdedores en alguna de nuestras ocultas personalidades.
Drier acabará, por tanto, rindiéndose a la morbosidad del perdedor más detestable, lo que no sabe es que él es igual que ellos, aunque todavía no lo haya advertido.

Sesión de cine: The Goods: Live hard, sell hard

2009-11-28T09:20:00.001+01:00

Después de ver una pequeña -pero fabulosa- escena de este film en la penúltima entrada, no queda más que dedicar una sesión de cine a este metraje cómico con visos de irreverencia y absurdo.

The Goods: Live hard, sell hard (2009) de Neal Brennan versa las vicisitudes de Don Ready -un vendedor compulsivo de coches usados- y su círculo de ayudantes para llevar a cabo cualquier objetivo que se les mande. A modo de mercenarios, viajarán a cualquier parte del país para ayudar a las personas que regentan un comercio del ramo para hacer reflotar las ventas. Pero, después de tener una mala experiencia en Albuquerque, les llega el encargo que determinará el destino de sus vidas, aunque ellos todavía no lo sepan: ayudar a un jefe que tiene unos trabajadores extravagantes en la localidad de Temecula. Situaciones absurdas, historias irrisorias, todo conformará un cuadro delicioso para el amante de este tipo de comedias, donde la barbaridad más grande queda superada por la siguiente. El elenco de actores está plenamente nutrido por gran parte del reparto de la versión norteamericana de la serie The office.

Pelo y spray

2009-11-23T00:01:00.001+01:00

Otro número musical más para ritualizar la conmemoración habitual, pero esta vez de la mano de uno de los musicales más bizarros del séptimo arte: Hairspray (1988) de John Waters. La incursión de este director en este tipo de género no minusvaloró su capacidad de mostrar la deliciosa basura a las que nos ha tenido acostumbrados desde sus inicios. La siempre increíble Lady Divine también hará su aparición en una cinta que recuerda la clásica historia de chica que quiere superarse a sí misma mostrando sus cualidades en el baile. Su físico será una traba, pero no su valor para girar las tornas de todos los herméticos clichés de la sociedad.
Se hizo una "aceptable" -pero muy distinta- versión otra vez en cine y en un musical de Broadway. Pero eso es otra historia.

El vídeo curioso de hoy XXII

2009-11-18T00:01:00.001+01:00

El vídeo de hoy es una muestra más de la maestría de algunas películas por inmiscuirse en temas espinosos donde mucha gente prefiere posicionarse en el bando mayoritario: el de la prohibición.
Si en la entrada del film Gracias por fumar (2006) de Jason Reitman vimos qué argumentos infería el protagonista para poder fumar, en el fragmento que os propongo de The Goods: Live hard, sell hard (2009) de Neal Brennan, se van a abolir muchos muros de intolerancia y de tabús sobre el hecho de fumar en un sitio donde ya no está permitido.
Pero, claro, hemos de entenderlo todo desde una óptica del humor y del absurdo.
Don Ready es un vendedor de coches tan bueno que sólo se le contrata cuando una empresa de este ramo necesita ayuda urgente. Por ello, ha de viajar con su grupo hasta Temecula para reflotar un puesto a punto de zozobrar. Pero, en el viaje de avión, se le ocurre encender un cigarrillo para aliviarse.
Veamos qué es lo que sucede y qué razones arguye para llevar a cabo su cometido. Supremo:

Sin duda alguna, Don Ready es el nuevo héroe de este blog, pues con su presteza y su personalidad arrolladora doblega a quien quiera. Claro, es un vendedor de coches y por eso tiene una labia que vence a cualquier argumento contrario, convenciendo a quien se le ponga por delante.
Prometo utilizar este mismo método en mi próximo viaje en avión: Rosa Parks lo hubiera querido así.

Visita el resto de vídeos curiosos de Monstruos invisibles:

I, II, III, IV, V, VI, VII, VIII, IX, X, XI, XII, XIII, XIV, XV, XVI, XVII, XVIII, XIX, XX y XXI.

Sexplotation en plastilina IV

2009-11-16T00:01:00.001+01:00

Ésta es la última entrega sobre los cortos sexplotation y gore de Takena Nagao, el maestro del horror en materia de plastilina y, cómo no, el postrero testimonio será uno de los más sangrientos que hayáis podido ver hasta ahora. El principio estará al nivel de su última creación, Pussycat, y de Chainsaw Maid, donde se empieza con una situación armoniosa para desembocar en una sangría orgiástica de matanzas y perversiones múltiples.
Quién iba a imaginar que el día de la primera cita acabaría de esta manera. Bloody date (2007) nos demuestra que cualquier momento de una jornada puede ser nuestro fin. Una mezcolanza exquisita entre los asesinos de La matanza de Texas y la estética neogótica de los personajes de Tim Burton regurgitan una historia simple, pero efectista, que se apuntala sobre la técnica del stop-motion.

Sexplotation en plastilina III

2009-11-13T09:11:00.005+01:00

Takena Nagao demuestra, una vez más, otra de sus creaciones brutales -con esta tercera entrega del género gore y de terror en plastilina- que rememoran las películas más sangrientas clásicas del séptimo arte. Su capacidad de generar un artilugio que empieza armónicamente, pero que, in crescendo, va implosionando en sí mismo para producir un estallido final agónico de vísceras, muertes crueles y víctimas que sufren borboteando sangre por las cavidades corporales más deliciosamente siniestras.
Bloody night (2006) está construida a partir de unos muñecos más minimalistas que en sus otros cortos, pero no por ello menos feroces: transmiten las ansias de matar y el deseo fervoroso de morir para no seguir sufriendo.

Sexplotation en plastilina II

2009-11-07T09:34:00.002+01:00

Dentro de esta serie de entradas dedicadas al género sexplotation hecho en el formato del stop-motion y en plastilina, vamos a seguir repasando la retahíla de pequeños cortos cristalizados por Takena Nagao. Si en la anterior entrada tuvimos la ocasión de disfrutar de Pussycat (2008), ahora le tocará el turno a la impactante y aterradora Chainsaw Maid (2007), una propuesta que mezcla géneros muy dados a la violencia más explícita.
Una apacible situación entre un padre, su hija y su criada desembocará en una furiosa vorágine sanguinolienta de matanzas al más puro estilo splatter, gore, etc. Se hermanarán así las temáticas de films como La noche de los muertos vivientes, La matanza de Texas, Evil dead, y un largo etcétera. Un corto que rezuma influencias que se conforman en un tipo de films que demuestran hasta qué punto se puede sacar partido de un elemento tan primario como la plastilina.

Sexplotation en plastilina I

2009-10-28T17:19:00.000+01:00

Parece que los antiguos géneros de los 60 y 70 vuelven con fuerza en el panorama cinematográfico, pero, claro, las intenciones con las que se engendraron son muy distintas de las condiciones sociales en las que vivimos actualmente. Para ello es determinante que se alimenten con ingredientes más suculentos y más acorde con los tiempos que vivimos. Así sucede, o debería ocurrir, en el sexplotation. Si en su época dorada se desafiaba con escenas subidas de tono, ahora no tendría mucho sentido hacer lo mismo, pues hemos superado la barrera del sexo como provocación y deberíamos evolucionar hacia barbaridades extremas hasta límites insospechados. Pero, ¿qué ocurre si enmarcamos toda esta teoría en una práctica inusual como las animaciones generadas a partir de plastilina? Pues que resulta una mezcolanza divertida e imprevisible.
Preparaos para Pussycat (2008) de Takena Nagao, una nueva vuelta de tuerca a la alternativa de los dibujos animados violentos.
Adelante:

Una mezcla sugerente que se debate entre el cuento tradicional y las películas ultraviolentas de los últimos tiempos, donde no queda títere con cabeza. La escena final de artes marciales ornamenta un cuadro al más puro estilo del cine actual.
Habrá más.

Música y deportivos

2009-10-23T00:01:00.004+02:00

Un vídeo más para autoconmemorar otro mes de vida de este espacio y, como era ineludible, no podía faltar uno de los musicales más imperecederos de la historia, pues aunque está ambientado en una época distinta a la del metraje, sigue recogiendo adeptos a millones en edades abismalmente distintas. No importa a qué generación pertenezcas, Grease (1978) de Randal Kleiser, sigue surcando una huella imperecedera en nuestro imaginario colectivo. Algo que denota una cualidad indiscutiblemente buena de un film. "Greased lightning" es una de las muchas canciones que, en el fondo, expresan el espíritu rebelde de una juventud que ansía liberarse de las ataduras sociales para entregarse al amor.
Años 50, rockabillys, deportivos centelleantes, coreografías logradísimas y la nostalgia de una época pletórica que se repite.

Dobladores en acción

2009-10-15T19:52:00.003+02:00

Gracias al comentario de un anónimo he podido recalar en un documental que completa la información de los estratos que se dedican enteramente al cine, desde todas sus vertientes. Éste no es otro que Voces en imágenes (2008) de Alfonso Suárez. Una cinta que pretende explicar todos los recovecos de la invisible tarea del doblaje desde la propia perspectiva de sus protagonistas: las personas que se dedican a ello. Es fructífero conocer las caras de esas voces que pueblan y han poblado todas las películas que hemos visto a lo largo de nuestra vida. También es interesante la retrospectiva que se establece cuando uno de los actores de doblaje explica de manera clara y sucinta toda la historia de esta industria en España.
En el documental despuntan algunos actores tan abrumadores como Graciela Molina, dobladora de Cristina Ricci o Kirsten Dunst, entre otras, quien, en un momento de la cinta, cambia de voz para encarnarse en un niño pequeño: sublime.
Ineludible documental para conocer una profesión que todavía permanece en el anonimato. Aunque como se comenta en la cinta, cuando un actor de doblaje permanece invisible es que el trabajo ha sido satisfactorio; de lo contrario, significaría que la voz ha sobrevolado al personaje.
Cinta que da su opinión sobre la disputa de esta profesión y sus errores en lo comentado en la anterior entrada.
Monstruos invisibles de la industria cinematográfica.
Aquí os presento el documental en cuestión:

Alegatos a favor del cine (2º parte)

2009-10-11T21:12:00.006+02:00

Esta segunda parte de la defensa de la calidad en el cine se va a centrar en algunos aspectos que se trataron en la primera parte y otros que se explican en el documental de ensayo Cineastas en acción (2005) de Carlos Benpar.
Retomando la problemática esencial y crucial de la mutilación de una creación, vamos a echar un vistazo a un vídeo donde Salvador Dalí nos explica una experiencia suya relativa a defender hasta las últimas consecuencias una obra de arte.
Vayamos a ver esta joya:

Que el cine sea una de las artes más modernas y se soporte a partir de aparatos relativamente nuevos no indica que sea usurpado y deturpado por la monstruosa industria (sea cual sea y con los intereses con los que se lucre). No ocurre lo mismo con el resto de artes más clásicas como la escultura, la pintura, la literatura, etc. Por eso es ocurrente que Carlos Benpar relacione las reflexiones de grandes artistas con sus obras y el cine. No es para nada baladí: el cine está tendiendo a ser un arte demasiado infravalorado, aunque no nos lo parezca. Pues de él se pueden ganar más millones que con una sola pintura (que sólo es una, una cinta se puede fabricar en serie).
Pero no sólo de esta mutilación sufre el séptimo arte, sino que, si nos fijamos, en el doblaje también se cometen grandes barbaridades. El hecho de subtitular o no un film es un tema harto dificultoso, pues mientras unos hablan de doblar todas las voces originales -sacando la banda sonora original del film y, por consiguiente, despojándola de una esencia que se perderá para siempre, aparte de perderse la oportunidad de escuchar un actor con su voz real-; otros de subtitular todas las cintas. El tema del subtitulado sólo puede funcionar cuando la persona que está visionando el film entiende con una mínima corrección la lengua originaria del film. Esto es: perdemos una información valiosa leyendo los subtítulos, pues no advertimos la interpretación de los actores o la acción misma que el director se ha esmerado en mostrarnos. Además, existen 2 problemáticas más: las personas que tienen deficiencias visuales para leer letras pequeñas y la invasión en la pantalla de unos letreros. Ésta última causa sería una de las quejas principales de los directores cuando por televisión se emiten anuncios, invadiendo el screener del mismo modo que lo hace un subtítulo.
A pesar de esto, la opción VOSE siempre será preferible para los que puedan leer sin problema y tengan un nivel de inglés aceptable, pues se goza de una de las bazas importantes del cine extranjero, y en especial el norteamericano -el más sufrido por las leyes injustas del mercado y de su gobierno-, pues los actores no sólo se nutren de una actuación solvente, sino que en cuestión de modular la voz nos llevan ventaja.
La cuestión del doblaje produce una ingente cantidad de problemáticas, entre las muchas que podemos relacionar (mal doblaje, deficiente traducción, peor interpretación, anulación de la banda sonora original de la cinta, etc.) hay una que se puede catalogar como la más ruin: ¿cómo se dobla un film donde, en una escena, un intérprete extranjero está traduciendo lo que dice una persona hispanoparlante en España?
En este vídeo que os ofrezco a continuación se muestra un ejemplo parecido, pero todavía más endiabladamente retorcido: las terribles invenciones de la industria del doblaje. Adelante que esto no es una barbaridad cualquiera, pues se trata de la película Fuerte Apache (1948) de John Ford y de cómo se proyectó en España (creo que el problema sigue latente):

Una magnífica historia para ilustrar cómo un error influye en el ideario de las personas y cómo, si nadie lo corrige, puede irse repitiendo sin ningún fin ni filtro. Todo esto sirve para expresar hasta qué punto el séptimo arte nos maravilla, nos cautiva y nos estremece con sus situaciones preciosas o dramáticas. No se puede malversar un producto como éste, como nunca se nos ocurriría cortar cuadros o redibujarlos (como hizo la Iglesia con las pinturas antiguas, vistiendo las figuras desnudas).
Como nota curiosa final apostillaré que en el mercado norteamericano esto es el pan de cada día, hasta el punto que si alguna vez hemos visto American History X (1998) de Tony Kaye, podremos aseverar con total certeza que no hemos visionado la película original. Cuando el director terminó la película, Edward Norton le advirtió que debía cambiar la gran mayoría de las escenas debido a que él requería estar en muchos más planos, tantos que parecía una desfachatez. Como los productores amenazaron con no sacar al mercado el producto, Kaye se vio atado de manos y pies y tuvo que ceder a las extravagantes y absurdas quejas. La película, por lo visto, se aleja mucho de lo que pensó desde un buen momento, y al final el producto fue un alarde de la interpretación y físico de Norton, dejando de lado temas y escenas harto interesantes que se habían preparado. La prepotencia de actores y productores tiró por la borda una película que, aunque nos parezca buena, dista mucho de lo óptima que hubiera sido de respetar la creación de alguien especializado en este campo.
Qué lástima. Cuántas obras de arte nos seguimos perdiendo.

Sesión de cine: Cineastas en acción

2009-10-08T01:21:00.001+02:00

Antes de proseguir con la 2º parte de los Alegatos a favor del cine, creo útil que el lector de Monsruos invisibles pueda visionar el documental sobre el que pivotará la siguiente entrada.

Cineastas en acción (2005) de Carlos Benpar no sólo se adentra en el mundo de las mutilaciones de las cintas originales o de las malas proyecciones, sino que también aboga por el derecho a que aunque el séptimo arte sea muy nuevo tiene que atesorar la dignidad que se merece. Cualquier obra no merece el desprecio que se le está infligiendo. Y esto no se ha de circunscribir a lo que comentamos en la penúltima entrada, sino que también se ha de señalar el mal doblaje o la deturpación de la obra original. No os perdáis los primeros minutos, donde un soberbio Salvador Dalí da lecciones de cómo un autor es dueño de su propia obra con una deliciosa analogía con su creación. Suceso que le ocurrió en Nueva York.
El documental está dividido en 2 partes:

1º fragmento:

2º fragmento:

Sesión de cine: Cineastas contra magnates

2009-10-04T13:31:00.002+02:00

Esta sesión de cine supone la continuación de la entrada Alegatos a favor del cine (1º parte), donde se reflexiona sobre la mutilación de las obras fílmicas apoyándose en el documental de ensayo Cineastas contra magnates (2004) de Carlos Benpar.

Las inquietudes del director despiertan poderosamente la atención del lector al advertir las múltiples atrocidades que sufre el séptimo arte, el más desprotegido, infravalorado y estropeado. Parece que la recaudación que aglomeran las películas signifique que su valor está más que demostrado, pero eso sólo se da en la filmografía barata y comercial, la que está vacua de ideas y donde sólo importa el dinero que se recapta, nunca la calidad artística.
El tráfico con la calidad artística de un film está urdido por un grupo de magnates que conforman los adinerados de las compañías cinematográficas, productoras, cadenas de televisión y hasta los dueños de los cines. Todos irán poniendo su grando de arena para ocultarnos lo que en realidad pensó el director de un film desde el primer momento.
La película está dividida en 2 partes:

1º fragmento:

2º fragmento:

Alegatos a favor del cine (1º parte)

2009-09-30T00:01:00.004+02:00

Esta entrada inaugura la segunda centena del blog, y qué mejor que este momento para poner sobre la mesa unos alegatos a favor de la calidad en el cine en dos posts. Y cuando digo calidad me refiero a unas reflexiones que nos harán recapacitar cuánto daño ha sufrido y padece el cine actual y antiguo por parte de varios estamentos que no valoran las creaciones del séptimo arte por su calidad. Estos culpables son: las cadenas de televisión, las productoras cinematográficas, los grandes magnates, los cines, etc.
Sustentándome sobre un documental de ensayo precioso, os propondré las siguientes preguntas:
-¿Es lícito que las películas se emitan por TV con cortes publicitarios o con publicidad insertada en la imagen invadiendo la pantalla? ¿No se está cortando el clímax que preparó el director para atrapar y agradar al espectador y éste termina hastiado por tanta interrupción? ¿Se está, por tanto, cortando una obra de arte? ¿Cortaríamos, de la misma manera, un cuadro para que cupiera en un espacio más pequeño por el hecho de ser más grande?
-¿Por qué nunca hemos visto cómo es realmente la proyección a tiempo real de un película muda? ¿Sabías que los cines y televisiones emiten las películas a tiempo acelerado para ahorrar tiempo y dinero sin darnos cuenta nosotros?
-¿Es justo que, con la aparición del cine sonoro, se empezaran a eliminar de forma masiva todas las cintas de cine mudo y que ahora sólo conservamos un 15% de ese arte?
-¿Sabíais que los directores no son dueños de sus películas y que por tanto, cualquiera puede cortar escenas, añadir otras, porque deja de ser suya y se la apropia una compañía con total impunidad? ¿Sabías que esto se hace cada día por todo el mundo?

Éstas y otras cuestiones trataremos con la base del supremo testimonio de Cineastas contra magnates (2004) y Cineastas en acción (2005) de Carlos Benpar.

¿Estamos dispuestos a que alguien coja una obra de arte, como un cuadro del Barroco y le añada y corte elementos a su antojo? Creo que todos estamos de acuerdo en que no. Pero supongo que tampoco permitiríamos que con una cinta original o con la reproducción de un film nos quitaran escenas o minutos de metraje, puesto que no entenderíamos la obra en todo su conjunto.
Veamos una analogía sobre este tema, que mezcla una posible realidad con la simbología del uso del arte: Felipe II (1527-1598), rey de España, recibió un cuadro, "La última cena" (en la imagen, la de Lenorado da Vinci) en el 1574, pintado por Tiziano Vecellio (1477-1566).

El monarca quería colocar esta magna obra en su refectorio, pero debido a sus dimensiones decidió cortar los dos extremos laterales de la pintura, elminando así parte del contenido de la obra. Un artista cortesano, Juan Fernández de Navarrete o "Navarrete el mudo" (1526-1579), se alarmó ante tal desvarío y prometió al rey que copiaría el cuadro entero a tamaño más pequeño si con ello evitaba la mutilación de la pintura. Felipe II no hizo caso y mandó eliminar para toda la humanidad el deleite de ver una obra de arte entera como ésa.
Con esta historia -mezcla de realidad y ficción, pues se escoge una obra magna de Leonardo, en vez de una de Tiziano- advertimos cuán trascendente es la preservación de cualquier obra que se cree. Pues con el cine pasa constantemente esta vejación.
Las películas se filman a partir de diferentes tamaños y encuadres, pero como el cine norteamericano actual utiliza un formato distinto, todas las películas que estaban pensadas en un encuadre diferente pasan por el filtro de esa obligación.
Imaginemos una película antigua que se emite por TV o en un cine y que nos la proyectan con una focalización distinta, es decir con una cajetilla diferente por la que pasa la luz del film. Algunos de los distintos tamaños de formato de cinta son: 1:37 o estándar (formato sonoro); el mudo era más grande; el Cinemascope, 2:35; el panorámico, 1:66; el norteamericano, 1:85. ¿Qué pasa cuándo un ignorante proyecta la película El hombre del oeste (1958) de Anthony Mann con un formato distinto al de la versión original? Pues, señores, ahora lo veréis, porque ocurre constantemente y esto sucedió en España.
A saber:

Nos estamos perdiendo gran parte de la información que ofrece el film en su tamaño original sólo porque a los responsables del cine o de la cadena de TV no les ha dado la gana aprender. Lo mismo ocurre cuando en una escena de clímax total aparece un anuncio publicitario o en una imagen se ve en un lateral el anuncio de una nueva serie, o la programación que vendrá. Se mutila el sentimiento que el director ha querido transmitir por un interés completamente distinto al artístico: el económico. A la TV le importa bien poco la calidad de un film, sólo quieren vendernos productos con la escondida excusa de darnos entretenimiento.
Lo mismo ocurre -y aunque no lo hayamos advertido- con la capacidad de todos estos entes corporativos por proyectar films a una velocidad más rápida de lo normal, cosa que entorpece el visionado de una obra y ensancha las más que abultadas arcas de los magnates.
¿Por qué el cine está tan desprotegido de enfermos culturales que cortan y deshacen por sus intereses? Nadie se atrevería a publicar un libro con 20 páginas menos.
¿Sabíais que en los cines italianos se emiten films con un corte para que la gente compre refrescos y que, por tanto, los directores ya graban sus películas para estructurarlas de esta manera? ¿Se tiene que hacer lo mismo con los cortes televisivos? ¿Quién tiene la potestad para cortar un film: el director o un empleado de la TV? ¿Por qué permitimos esto?
Gran parte de la culpa la tienen las poderosísimas corporaciones cinematográficas, quienes se apropian de todos los films no dejando al director margen para cambiar lo que quiera: su obra deja de ser suya. Por eso, muchas películas antiguas dejan de tener escenas, minutos, etc.
Sinceramente creo que el gran desvarío empezó con la aparición del cine sonoro. Se decidió que se tenían que eliminar sistemáticamante todas las cintas de cine mudo. Sólo conservamos un mísero 15% de lo que se produjo en la primera etapa del séptimo arte. Desolador. Nos hemos perdido mucho cine. Anque la mutilación también se produjo con la coloración del cine en blanco y negro, pero la destrucción de todas las cintas mudas produce una más que maestra reflexión como la que se hizo en España por esa época.
Quedaos boquiabiertos con la información primera sobre el destino de las latas de celuloide y luego el testimonio que enjuiciaba esa destrucción, que disfruta de una metáfora propia de una magnífica obra literaria:

Nuestros productos cosméticos contienen las historias de amor que tanto conmovieron a nuestras generaciones pasadas, bellísimas películas untadas ahora en unos polvorientos zapatos o en unas decrépitas uñas. Qué destino más trágico.
Nunca se ha tenido en cuenta la responsabilidad de un artista en el séptimo arte y su obra. ¿Por qué en la actualidad se sigue maltratando el cine?
Muchas reflexiones subyacen a estas premisas que deberían hacernos replantear si realmente lo que vemos es lo que se concibió en un primer momento por el autor.
En la 2º parte de estos alegatos a favor del cine como arte discutiremos, entre otras cosas, la decisión de si hemos de escoger cine doblado o subtitulado. Aunque, eso sí, en la próxima entrega os ofreceré el documental Cineastas contra magnates en una suprema sesión de cine.

Premios Monstruos invisibles II

2009-09-27T02:18:00.003+02:00

Ésta es la entrada número 200 de este blog y, como ya hice en la primera centena, voy a dar los Premios Monstruos invisibles, donde se galardona todos los films, cortometrajes, actores, actrices, etc. que han desfilado por los posts. He de decir que en esta edición había más cortos que largos y alguna que otra categoría ha quedado desierta (drama y comedia, por ejemplo). Aun así os presento a los afortunados. Veréis una suerte de podio con el vínculo a cada entrada.

Gracias de antemano a todos los que habéis leído y comentado en este singular espacio.

Mejor actor:

1º George Babluani en 13 Tzameti
2º Stephen Rea en Stuck
3º Eusebio Poncela en Intacto

Mejor actriz:

1º Alysson Paradis en À l'intérieur
2º Mena Suvari en Stuck
3º Morjana Alaoui en Martyrs

Mejor director:

1º Juan Carlos Fresnadillo
2º Mabrouck el Mechri
3º Géla Babluani

Mejor film de suspense:

1º Death note
2º Intacto
3º Stuck

Mejor film de terror:

1º Peur(s) du noir
2º À l'intérieur
3º Drácula

Mejor film de ciencia-ficción:

1º Fahrenheit 451
2º Soylent Green
3º Equilibrium

Mejor documental:

1º Una cierta verdad
2º Los censores de Hollywood
3º Más allá del espejo

Mejor cortometraje:

1º Cashback
2º Surprise
3º Strangers

Mejor banda sonora:

1º Cabaret
2º Little Miss Sunshine
3º Beyond the sea

Mejor planteamiento curioso:

1º Les revenants
2º El ejército de los muertos
3º Zelig

Mejor sesión de cine:

1º Voces de muerte
2º Bug
3º Blackout

Mejor película bizarra:

1º Italian Spiderman Movie
2º Pink flamingos
3º Plane Dead

Mejor vídeo curioso:

The international (2009) de Tom Tykwer

Mejor número musical:

El sabor de la sandía (2005) de Tsai Ming-Liang

Mejor momento de un film:

Martyrs (2008) de Pascal Laugier

Nos vemos de aquí a 100 entradas más: los Premios Monstruos invisibles III.

Estilo y entretenimiento

2009-09-23T00:01:00.005+02:00

Otra apelación hacia el estilo que ha de mantener un hombre -como ya vimos en el fabuloso Fred Astaire y su "Putting on the Ritz"-, aunque esta vez a manos de Bing Crosby y de 2 de los componentes del memorable Rat Pack, Frank Sinatra y Dean Martin. En este fragmento del film Robin and the seven hoods (1964) de Gordon Douglas podemos saborear cómo de bien se lo pasaban este grupo fuera y dentro de los escenarios, marcando así una huella indeleble de presteza, estilo y savoir faire propios de la época dorada de los crooners.
Traducida en España como Cuatro gángsters de Chicago (¿?) narra las peripecias de unos hombres que siguen la leyenda de Robin Hood: robar a los ricos para beneficiar a los pobres. Se cambiarán y adaptarán los roles a una época donde los mafiosos deciden salvar un orfanato. Delincuentes ayudando a gente necesitada: ¿quién ha visto esto en la realidad?
Estilo y entretenimiento para engalanar a unos gángsters enfundados en trajes caros.

Sesión de cine: Intacto

2009-09-20T00:01:00.003+02:00

Ya es costumbre en esta sección el hecho de colocar una película comentada para que el lector pueda disfrutar de todo lo que se muestra. Es ineludible en esta entrada 198, y casi a punto de celebrar los Premios Monstruos invisibles con motivo de otra centena, subrayar Intacto (2001) de Juan Carlos Fresnadillo.

Compleja y maravillosa cinta de suspense, intriga, thriller, trama policiaca, con tintes psicológicos que desbaratan nuestras más profundas creencias sobre la real existencia del azar y la suerte.
Federico (Eusebio Poncela) va a desestabilizar la vida de 3 personas que han sido tocadas por una cualidad casi divina: son capaces de sobrevivir ante cualquier reto, por muy difícil que sea. El juego de la ruleta rusa se transforma en una artimaña diabólica cuando no se apuesta dinero: se gana la suerte y la vida de los demás.
Cinta de una calidad sobresaliente en el yermo panorama cinematográfico español. Profundas reflexiones subyacen a este guión que requieren un debate abierto sobre la existencia o no de un valor tan atávico en nuestra cultura como encontrarse dentro de la rueda de la fortuna.
Disfrutad de ella:

Easy Pizza Riderz

2009-09-16T16:36:00.003+02:00

¿Qué pasa cuando un objeto tan simple como unas zapatillas de deporte revoluciona la
mísera vida de varias personas? Éste es la premisa principal del cortometraje francés Easy Pizza Riderz (2002) de Romain Gavras. Imágenes impactantes e hilarantes donde se mezclan unos elementos tan sugerentes como pizzeros, mariachis encima de motocicletas a velocidad trepidante, mafias, ladrones, un gorila, entre otros. Todo producirá una mezcolanza genial donde poco importa qué dicen ni por qué hacen lo que hacen: acción con música sublime para mostrar la cara oculta de una gran urbe. Western, policiaco, todo cabe en este pequeño mundo.

Adelante con ello:

Creo que después de ver el corto nos damos cuenta del sentido del título, que emula la famosa película de Dennis Hopper del año 1969. Persecuciones en motocicleta a todo trapo, peleas de mafias por unas zapatillas... ésta es la magia que contiene un metraje tan corto.

Créditos sublimes II

2009-09-12T11:30:00.002+02:00

La segunda entrega de esta sección nos mostrará dos maneras distintas de expresar la introducción de una película: una, con la esencia del guión; la otra, con el genuino ambiente kitsch.
Vamos a ver los títulos de crédito:

Agárrame si puedes (2002) de Steven Spielberg, basada en las vivencias reales y expresadas en un libro de Frank Abagnale Junior, retrata los hurtos que cometió uno de los falsificadores de personalidad más grandes de la historia.
En los créditos podremos observar una minihistoria animada que recrea la esencia del film: una escapatoria del protagonista frente al policia que le pisaba los talones y que nunca conseguía atraparle.
Por mucho terreno que pisara siempre estaba allí su némesis para detenerlo.
Una introducción muy atractiva, bien diseñada y con una música que ambienta perfectamente lo que se avecina. Hasta Los Simpson copiaron este fragmento para uno de sus capítulos.
Adelante con ello:

Atrápame from Dante D on Vimeo.

Ghost world (2001) de Terry Zwigoff, basado en el cómic de Daniel Clowes (1993), es ya una cinta clásica en este blog por su genuina manera de mostrar toda una retahíla de personajes absolutamente kitsch.
Aunque lo que siempre ha fascinado a este espacio ha sido el comienzo del film, que introduce un vídeo sacado de la película india Gumnaam (1966) de Raja Nawathe, con la variopinta fauna que moran en el interior de unos edificios. La maravillosa canción no es otra que "Jaan Pehechan Ho" de Mohammed Rafi, harto referenciada en Monstruos invisibles por su valor incalculable de preciosidad.
Disfrutemos del principio de Ghost world:

Ghost from Dante D on Vimeo.

Visita también la primera entrega de esta sección:
-Créditos sublimes I

Patrick Bateman vs. Miles Fisher

2009-09-08T00:01:00.003+02:00

Os mostraré un vídeoclip que se presentó apenas hace 2 meses en la red: Miles Fisher y su versión de la canción de Talking Heads "This must be the place". Brillante y maestro cover que mejora con creces el original, revistiéndolo de un sonido actual donde resaltan las pistas dedicadas al ritmo, ahora más armónico y lleno de matices deliciosos. Pero, ¿por qué una entrada dedicada a la música si éste es un blog que se fundamenta en el cine? Pues, por una razón muy sencilla: el clip basa toda su acción en la película American Psycho (2000) de Mary Harron. El personaje de Patrick Bateman, extensa y brillantemente radiografiado por el siempre genial Bret Easton Ellis en 1991, está ahora versionado por Miles Fisher, con una versión calcada hasta el punto de que escoge las mejores escenas de Christian Bale y las coloca de forma que cuadran a la perfección.

Miles Fisher - This Must Be The Place (Cover) from Miles Fisher on Vimeo.

Qué sublimes los momentos en que Fisher-Bateman recoge la hacha para descuartizar a su amigo borracho y llenarse así de confetis rojos. Fisher, que en realidad se llama James Leslie Miles Fisher, es un actor, cantante y productor que consigue la semblanza con Bateman debido a que tiene un parecido entre Tom Cruise y Christian Bale, y que además dispone de un EP que os podéis descargar gratuitamente desde su página web: http://www.milesfisher.com/
Una delicia poder escuchar un film reseñado en este blog y que demuestra una vez las diferentes caras de los monstruos invisibles.

El vídeo curioso de hoy XXI

2009-09-04T00:01:00.001+02:00

El vídeo curioso de hoy profundizará de manera cómica -pero, ojo, casi real- de la teoría de la supervivencia y de la evolución de los animales, y en concreto del ser humano.
Charles Darwin se equivocó, pues podemos estar sufriendo una involución al no tener depredadores que seleccionen a los individuos con más inteligencia. Bueno, al menos es lo que profesa la cinta humorística Idiocracia (2006) de Mike Judge, que con mucho acierto despliega un planteamiento sugerente sobre la hipotética situación de un mundo futurible poblado por eso, por imbéciles.
Un genial inicio para una cinta desternillante para pasar un buen rato. Mirad el vídeo que he subido, que seguro os hará plantearos muchas dudas sobre hacia donde zozobra nuestra inepta sociedad.

Podemos estar viviendo el preludio de lo que surgirá como un pleno mundo idiota. No es tan descabellada la idea que propone Mike Judge con mucho acierto. Las parejas que organizan exhaustivamente sus posibilidades económicas para tener descendencia pueden desencadenar una carrera donde se ve desde el principio quién es el caballo perdedor.
La película se centrará en un hombre inepto, Joe Bauers, del siglo XX que se somete a un experimento de criogenización. Al acabarse los fondos para tal cometido, el ensayo queda en el olvido, hasta que nuestro protagonista despierta 500 años después en una sociedad completamente globalizada y estúpida.
No puedo reprimir las ganas que tengo de enseñar esta fabulosa muestra de las nuevas generaciones del futuro. Joe se despierta del largo letargo y se dirige a un hospital sin saber que se encuentra muy lejos de su época:

¿Se puede pedir más? Con esta radiografía de la población uno se queda temblando después de reírse, pues mucho me parece que es lo que se avecina.
Por cierto, el presidente de los USA en este film es un hombre negro musculoso que hace películas porno, se dedica a salir en programas por la tele y es luchador de wrestling.
El futuro está aquí. Cada día queda menos...

Visita el resto de vídeos curiosos de Monstruos invisibles:

I, II, III, IV, V, VI, VII, VIII, IX, X, XI, XII, XIII, XIV, XV, XVI, XVII, XVIII, XIX y XX.

La muerte a manos del azar

2009-08-30T00:01:00.001+02:00

Buscar a la muerte, tentarla, jugar con ella y engañarla siempre ha sido un tema fundamental sobre el que ha pivotado el papel del hombre en su efímera existencia. En el cine, este concepto se ha tratado de diversas maneras: enfrentarse contra las maquinaciones de los Dioses significa retar y desestabilizar la armonía planetaria y divina. Por tanto, el hombre tiene libre albedrío y puede modificar su suerte. El caso más gráfico sobre esta idea lo obtenemos del largo El séptimo sello (1957) de Ingmar Bergman, donde la interpretación de Max von Sydow resulta una imagen que se encuentra en el ideario colectivo: un hombre jugándose su vida a una partida de ajedrez. Vivir o morir, todo depende de la suerte que tengamos. Esquivar la parca significa tener el poder sobre nuestras vidas y nuestro destino. Pero, ¿qué pasa cuándo se utiliza un mismo juego de azar para demostrar que estamos al límite de ser personas con suerte a ser una especie de semidioses?

Esta entrada versará sobre 2 films que han sabido dar otra vuelta de tuerca a la idea que se utilizó en El cazador (1978) de Michael Cimino: la ruleta rusa como un juego mortal que se puede ganar siempre.

-Intacto (2001) de Juan Carlos Fresnadillo.
-13 Tzameti (2005) de Géla Babluani.

Intacto (2001) de Juan Carlos Fresnadillo supone un salto cualitativo en el cine español, tanto es así que esta cinta ha despertado tantos vituperios de envidia por parte de la crítica especializada que uno siente que el triunfo está más que logrado: en España se suele machacar lo propio y alabar lo ajeno por sistema. La envidia no es un pecado capital en este país.
Ésta es una de las mejores y más profundas cintas que ha podido gestar la cinematografía hispana. Un guión sólido con muchos vértices e interpretaciones sobre la reflexión de si realmente existe la suerte o se trata todo de una cuestión de azar (la fortuna va y viene, según las circunstancias o según las probabilidades).
La historia, en esencia, pivota sobre la situación de 4 personas, donde su existencia personal gira alrededor de un giro inesperado: un hecho fortuito les ha convertido en seres tocados o desprendidos de la fortuna. Un viejo propietario de un casino juega incansablemente a la ruleta de la fortuna; un hombre se transforma de un ser suertudo a un hombre real desprendido de la fortuna; un joven sufre un accidente de vuelo donde sólo sobrevive él; una mujer policia descubre una red de juego, donde se apuestan vidas y donde hay una inextricable ligazón con su existencia atormentada.
Max von Sydow (el viejo amo del casino), Sam, retoma la idea de El séptimo sello para adentrarse en una vorágine de retos hacia el espectador para preguntarse si realmente podemos desafiar a la muerte con un simple juego de azar. Este personaje empezará el film con una propuesta sugerente: la creencia de que podemos apostar las vidas de la gente, o su fortuna (guardando sus fotografías, como si atraparamos su espíritu), con un juego macabro, que es el giro del tambor de un revólver. Debido a que su fiel compañero, Federico (Eusebio Poncela), decide desprenderse de su trabajo en la casa de juego, Sam decide arrebatarle su "poder". Esto producirá que Federico busque a un nuevo candidato para vencer al máximo poseedor de la suerte: un joven, Tomás, cargado de dinero que sobrevive a un aparatoso accidente aéreo (Leonardo Sbaraglia). Las pruebas a las que se verá sometido para demostrar su valía serán atenazantes.
Un universo mágico de posibles realidades terrenales, donde no podemos distinguir si lo que vemos es posible o es una simple ficción. ¿Casualidad o fortuna? Mágica reflexión para determinar si alguien estaría capacitado a ganar indefinidamente a la ruleta rusa y cómo se puede vencer a alguien que se entrona como el máximo poseedor de la suerte. Gente que arrebata la fortuna y el destino de los demás con unos endiablados juegos de azar: un concepto refrescante y novedoso. Todos los personajes han sobrevivido a una terrible desgracia que los ha convertido en seres casi divinos. ¿Será posible que tengamos mala suerte porque hay gente que nos la arrebata sin saberlo y así no se desestabiliza la armonía planetaria?
Debido a que el film contiene una infinidad de momentos supremos, os dejo con el tráiler, que resume la esencia de la cinta:

Una maravilla del séptimo arte.
El segundo ejemplo viene de la mano de una de las películas más hipnóticas y atrapantes del cine francés más underground y que retoma la idea de Intacto sobre la ruleta rusa.

Film grabado en blanco y negro que narra la peripecia en la que se ve envuelto un chico que se dedica a reparar el tejado de una pareja algo extravagante. Un hombre que si se duerme puede morir y que necesita drogarse para mantenerse despierto; su mujer lo intenta preparar para un encuentro en un lugar desconocido; unos hombres que vigilan la casa de la pareja rebuscando en el buzón; el protagonista proviene de una familia muy modesta que necesita dinero para sobrevivir. Con esta premisa de personajes se gestará una historia que surca en lo más hondo de los límites psicológicos en los que puede aguantar un ser humano.
La apropiación de la carta provocará una vorágine de locura, pues nuestro protagonista se verá sumergido en una desatada demencia, donde en un pequeño submundo bizarro la gente apostará dinero y vidas en el endiablado juego de la ruleta rusa.
Observemos un fragmento genial de esta cinta, donde se empieza el terrorífico azar de los revólveres. La originalidad radica en que no juegan 2 personas a la vez, sino varias puestas en círculo. Nunca encender una bombilla había supuesto tanto pavor:

No es tan fácil emprender una tarea tan dura y en esas condiciones.
La película tiene el aliciente de ensartar elementos que a simple vista no se retienen. Atención a los sonidos que se oyen durante todo el metraje: sirenas, ruido de bicicletas, etc. Sublime.

Por tanto, aquí hemos observado dos ejemplos que han servido para mejorar la anécdota de El cazador. En 13 Tzameti se crea una atmósfera sinuosa de terror psicológico; en Intacto se rompen todos los moldes de trama policíaca, intriga, suspense, etc. Cine reflexivo sobre nuestros más oscuros monstruos invisibles.
La muerte a manos del azar: ¿seríamos capaces de jugar constantemente a la ruleta rusa y no morir? Es posible. Pero, ¿quién se atreve con este reto? Ellos lo han probado.

Créditos sublimes I

2009-08-26T00:01:00.011+02:00

Se abre una nueva sección en este blog sobre una de las partes más poco reseñadas: los títulos de crédito del principio de un film. Esta parte suele ser una forma de preludio para lo que contendrá la cinta en sí y suele ser bastante anodina, aunque los ejemplos que subiré y pondré por entregas demostrarán que hay directores que se esmeran en que quede una buena y sugerente presentación.
Ginger Snaps (2000) de John Fawcett es un film canadiense con una atmósfera lúgubre, donde la morbosidad por la muerte y la estética neogótica han producido una trilogía.
La historia se centra en la neurótica y misántropa vida de dos hermanas, Ginger y Brigitte, que, soñando con suicidarse en un futuro próximo, ven cómo la aparición de un licántropo les cambiará la vida hacia una lucha entre ellas. Mujeres lobo al poder en una nueva y refrescante revisión del género de terror.
El principio no puede ser más atrayente y aterrador. Sublime a partes iguales.
Adelante:

Snaps from Dante D on Vimeo.

La forma en que se muestran los distintos tipos de suicido es formidable y atenazante. Qué bien empieza un film así.

El segundo caso no es otro que la archiconocida y ejemplar cinta El club de la lucha (1999) de David Fincher, basada en el primer libro publicado del iconoclasta y abanderado de la literatura underground norteamericana Chuck Palahniuk.
No me voy a detener a explicar lo que ya se ha escrito sobre este film, sólo ceñirme a los títulos principales, donde viajamos a velocidad trepidante por el interior de la cabeza de Tyler Durden al ritmo de la música de The Dust Brothers.
¿Se puede pedir más para lo que vendrá luego con la increíble historia de nuestro protagonista?
Delicioso y frenético:

Lucha from Dante D on Vimeo.

Hasta la próxima entrega.

Celebración musical

2009-08-23T00:01:00.001+02:00

El enigmático número 23 nos advierte que algo se celebra en este espacio, y siempre con un número musical.
Éste es el fragmento de un film que tendrá una futura entrada, La felicidad de los Katakuri (2001), del siempre impactante Takashi Miike. Este director siempre se ha destacado como un fiel mostrador de la violencia más explícita y dura, dando a conocer la cara oculta del ser humano en un mundo tan parecido al nuestro que no advertimos que es el mismo que pisamos. En este film se plantea la situación de aunar el musical con los muertos. Una familia abre un hotelito maravilloso en la montaña, y los malos accesos a ella provocan que nadie se acerque, hasta el día en que un huésped alquila una habitación y se suicida. Con la mala prensa que esto puede dar, deciden enterrarlo a escondidas. Todo esto sin percatarse que todo aquel que mora en el lugar acaba inexplicablemente muerto. La felicidad de la familia, al levantar el negocio, no se parará si por ello necesitan enterrar montones de cuerpos. Un guión con un planteamiento memorable.
Sigamos con las cintas más curiosas.

Sesión de cine: À l'intérieur

2009-08-18T03:51:00.004+02:00

Le toca el turno a una película -no estrenada en nuestro país- que ejemplifica la nueva ola del cine francés actual: la delgada línea entre la vida y la muerte más trágica y dolorosa.
Crudeza y recreación en el gusto por mostrar la cara aún más turbia de las mentes más torturadas.

À l'intérieur (2006) de Alexandre Bustillo y Julien Maury se nos presenta con un golpe tremendo hacia la sensibilidad del espectador en todo su espectro: una mujer embarazada conduce un coche con su marido cuando de repente sufre un terrible accidente. A partir de ahí la cámara se ralentizará para mostrar el efecto que surge sobre el bebé. A pesar de la muerte de su pareja, la protagonista, Sara, conseguirá continuar con su embarazo. Pero aquí no termina todo, pues la aparición de una mujer sombría a la puerta de su morada cristalizará la existencia de Sara en un atenazante averno. La lucha por su supervivencia conformará una de las bazas más imperiosas de este largo, donde la apuesta final supondrá uno de los giros inesperados más sublimes del cine de los últimos tiempos.
Ouvre-moi ta porte... que je t'ouvre le ventre